Fellini Satyricon

Posted on 02/20/202303/01/2023 by ernesta.ricciotti

Fellini Satyricon

Anno: 1969
Pellicola: colore
Durata: 138 min
Produzione: P.E.A. (Roma), Les – Productions Artistes Associeés (Paris)
Distribuzione: P.E.A. (Roma)
Visto censura: 5455603/09/1969

Due giovani romani, Ascilto ed Encolpio, sonno innamorati dell’efebo Gitone. Ascilto lo “ruba” ad Encolpio e lo vende a Vernacchio, attore di scurrili pantomime. Encolpio riesce e riprendersi Gitone, e con lui si rifugia in un palazzo, dimora di viziosi. Arriva anche Ascilto, e Gitone rivela che è lui il “preferito”. Encolpio immagina il suicidio, ma un terremoto distrugge il palazzo. Scampato il pericolo, Encolpio incontra il vecchio poeta Eumolpo che lo accompagna da Trimalcione, uno schiavo liberato e arricchito. Durante la festa nella sua villa, il poeta viene bastonato a sangue, e Trimalcione si fa vanto di mostrare la sua tomba. Encolpio, fatto schiavo, sulla nave del pirata Lica ritrova Gitone e Ascilto. Sconfitto in duello da Lica Encolpio è costretto a sposarlo. Le peripezie dei tre continuano: Encolpio diventa impotente, viene curato con il fuoco sacro di Enotea, si batte con il Minotauro. Poi, quando Ascilto muore, si imbarca sulla nave di Eumolpo, diretta in Africa, e rifiuta – alla morte del vecchio poeta – di cibarsi delle sue membra, rinunciando cos’ a divenirne erede.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: liberamente tratto da Petronio Arbitro

Sceneggiatura: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Fotografia: Giuseppe Rotunno

Operatore: Giuseppe Maccari

Effetti ottici: Joseph Natanzon

Musica: Nino Rota con la collaborazione di Ilhan Mimaroglu, Tod Docksader, Andrew Rudin

Ideazione scenografia: Federico Fellini

Scenografia: Danilo Donati, Luigi Scaccianoce

Costumi: Danilo Donati

Arredamento: Danilo Donati

Aiuto scenografia: Dante Ferretti, Carlo Agate

Aiuto costumi: Franco Antonelli, Renzo Bronchi, Dafne Cirrocchi

Consulenza per le pitture: Rino Scordia

Capo reparto pitture: Italo Tomassi

Architetto: Giorgio Giovannini

Montaggio: Ruggero Mastroianni

Aiuto montaggio: Adriana Olasio

Edizione: Enzo Ocone

Segretario di edizione: Norma Giacchero

Aiuto regia: Maurizio Mein

Assistente alla regia: Liliana Betti, Lia Consalvo

Trucco: Rino Carboni

Acconciature: Luciano Vito

Consulente lingua latina: Luca Canali

Fotografo di scena: Mimmo Cattarinich

Produttore: Alberto Grimaldi

Direttore di produzione generale: Enzo Provenzale

Ispettore di produzione: Lamberto Pippia, Gilberto Scarpellini, Fernando Rossi

Segretario di produzione: Michele Pesce

Cast

Martin Potter : Encolpio

Hiram Keller : Ascilto

Max Born : Gitone

Salvo Randone : Eumolpo

Mario Romagnoli : Trimalcione

Magali Noël : Fortunata

Capucine : Trifena

Alain Cuny : Lica

Fanfulla : Vernacchio

Danika La Loggia : Scintilla

Giuseppe Sanvitale : Abinna

Genius : liberto arricchito

Lucia Bosè : la matrona suicida

Joseph Wheeler : il suicida

Hylette Adolphe : la schiavetta

Tanya Lopert : l’imperatore

Gordon Mitchell : il predone

Luigi Montefiori : Minotauro

Marcello Di Falco : proconsole

Elisa Mainardi : Marianna

Donyale Luna : Enotea

Carlo Giordana : il capitano della nave

Pasquale Baldassarre : l’ermafrodita

Lina Alberti : l’idolo d’oro – parte tagliata al montaggio

Premi

1970

Nastro d’argento per miglior attore non protagonista

1970

Nastro d’argento per miglior fotografia a colori

Nastro d’argento per miglior scenografia

Nastro d’argento per migliori costumi

Nomination Oscar per miglior regia

Curiosità

“Il Satyricon di Petronio è un testo misterioso prima di tutto perché è frammentario. Ma la sua frammentarietà è in un certo senso emblematica. Emblematica della generale frammentarietà del mondo antico quale appare a noi oggi. Questo è il vero fascino del testo e del mondo che è rappresentato nel testo. Mi trovavo di fronte per il film un paesaggio sconosciuto, avvolto in una fitta nebbia che a tratti si squarcia e lo lascia vedere; il mondo dell’antichità è per me un mondo perduto con il quale la mia ignoranza non mi consente che un rapporto di fantasia, immaginativo, nutrito da ipotesi e suggestioni sradicate da qualsiasi informazione o conoscenza di tipo storico”.

(Federico Fellini, Un regista a Cinecittà, Mondadori, Milano, 1988, p. 127)

Critiche

“La Roma di Fellini non ha nessuna parentela con quella che abbiamo imparato sui libri di scuola e ci ha prestato il cinema delle bighe. E’ un luogo posto al di fuori del tempo storico, una zona dell’inconscio in cui le vicende raccontate da Petronio sono assunte tra i fantasmi di Fellini. […] Il suo Satyricon è un itinerario nelle favole per adulti. Se ci tocca è perché la voce di Fellini, mentre racconta, un poco si svela, quasi si turba. E’ abbastanza evidente che Fellini, incontrando nelle figure antiche la proiezione dei propri interrogativi umani e artistici, si chiede se la condizione universale ed eterna dell’uomo non sia riassunta nel demoniaco sentimento della caducità della vita che passa come un’ombra.”

(Giovanni Grazzini, “Corriere della Sera”, 5 settembre 1969)

“Fellini ha definito Satyricon “un saggio di fantascienza del passato”, come se i romani della decadenza vi fossero osservati dagli attoniti viaggiatori di un disco volante. In tale sforzo di oggettività, curiosamente, il regista ha fatto un film tanto soggettivo da reclamare un’analisi di tipo psicanalitico. Inutile chiedersi se l’opera propone un’interpretazione plausibile della romanità, se è in qualche modo un’illustrazione di Petronio: le parti meno sorprendenti sono proprio quelle che rispecchiano il testo o abbozzano una sia pur larvata dimensione storica. L’estro fantastico dell’autore invece si scatena nel giro della Suburra, nelle nozze grottesche di Alain Cluny in abito femminile, nella lotta finale col falso Minotauro: quasi sempre in un clima malato, claustrofobico, notturno.”

(Tullio Kezich, “Panorama”, 18 settembre 1969)

“A noi Satyricon è parso uno sforzo eccezionale di tradurre in immagini figurativamente potenti qualcosa di misterioso e di ignoto: si può parlare di un lungo sogno pieno di avventure e gli episodi sono diseguali per qualità e gusto; ma non si può negare che una scoperta originalissima del mondo antico è avvenuta al di fuori delle solite banalità e luoghi comuni. Ci sono mostri e brividi, sì, nel Satyricon e la dimensione della morte vi è continuamente presente: forse, anzi, è questo il tema che unisce i vari episodi slegati del film.”

(Angelo Solmi, “Oggi”, 17 settembre 1969)

I clowns

Posted on 01/31/202304/17/2024 by ernesta.ricciotti

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I clowns

Anno: 1970
Pellicola: colore
Durata: 93 min
Produzione: Rai – Radio Televisione Italiana (Italia) – O.R.T.F. (Francia) – Bavaria Film (R.F.T.) Compagnia Leone cinematografica
Distribuzione: Italnoleggio
Visto censura: 5707217/10/1970

Il montaggio di un tendone da circo viene osservato con curiosità da un bambino. La vista dei clown gli ricorda alcuni personaggi della vita reale: fra gli altri una energica monaca nana, il capostazione “Cotechino” tutto preso dal suo ruolo, il vetturale “Madonna” che litiga continuamente con i colleghi, “Giudizie” che rifà la prima guerra mondiale… Poi l’azione si sposta ai giorni nostri: Fellini, all’interno di un’inchiesta televisiva, si mette alla ricerca di vecchi clown per ascoltare i loro ricordi. Dopo aver visitato il circo di Liana Orfei, Fellini e la sua troupe vanno a Parigi, dove intervistano Tristan Rémy, uno scrittore che si occupa in particolare della storia dei clown. Assieme allo scrittore, Fellini rintraccia vecchi pagliacci, i pochi sopravvissuti a un mondo che non c’è più. Il regista filma i loro volti ormai invecchiati e tristi: verso di essi Fellini si sente debitore per la gioia che un tempo riuscivano a trasmettere.

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Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Sceneggiatura: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Fotografia: Dario Di Palma (Technicolor)

Operatore: Blasco Giurato

Musica: Nino Rota

Direttore d’orchestra: Carlo Savina

Costumi: Danilo Donati

Montaggio: Ruggero Mastroianni

Assistente al montaggio: Adriana Olasio

Aiuto regia: Maurizio Mein

Assistente alla regia: Liliana Betti

Segretario di edizione: Norma Giacchero

Trucco: Rino Carboni

Effetti speciali: Adriano Pischiutta

Acconciature: Paolo Franceschi

Scenografia: Renzo Gronchi

Arredamento: Renzo Gronchi

Mixage: Alberto Bartolomei

Produttore: Elio Scardamaglia, Ugo Guerra

Direttore di produzione: Lamberto Pippia

Cast

Liana Orfei : se stessa

Rinaldo Orfei : se stesso

Nando Orfei : se stesso

Franco Migliorini : se stesso

Anita Ekberg : se stessa

Billi : clown

Scotti : clown

Fanfulla : clown

Reder : clown

Valentini : clown

Merli : clown

Rizzo : clown

Pistoni : clown

Furia : clown

Sbarra : clown

Carini : clown

Terzo : clown

Vingelli : clown

Fumagalli : clown

Zerbinati : clown

I 4 Colombaioni : clowns

I Martana : clowns

Maggio : clown

Janigro : clown

Maunsell : clown

Peverello : clown

Sorrentino : clown

Valdemaro : clown

Bevilacqua : clown

Maya Morin : la troupe

Lina Alberti : membro della troupe

Alvaro Vitali : membro della troupe

Gasparino : membro della troupe

Alex : clown francese

Bario : clown francese

Père Loriot : clown francese

Ludo : clown francese

Charlie Rivel : clown francese

Maiss : clown francese

Nino : clown francese

Pierre Etaix : se stesso

Victor Fratellini : se stesso

Annie Fratellini : se stessa

Baptiste Rémy : se stesso

Tristani Rémy : se stesso

Pipo : se stesso

Rhum : se stesso

Buglioni : se stesso

Hugue : se stesso

Premi

1971

Nastro d’argento per migliori costumi

Curiosità

“Quando dico: ‘il clown’, penso all’augusto. Le due figure sono, infatti, il clown bianco e l’augusto. Il primo è l’eleganza, la grazia, l’armonia, l’intelligenza, la lucidità, che si propongono moralisticamente come le situazioni ideali, le uniche, le divinità indiscutibili. Ecco quindi che appare subito l’aspetto negativo della faccenda: perché il clown bianco, in questo modo diventa la Mamma, il Papà, il Maestro, l’Artista, il Bello, insomma ‘quello che si deve fare’. Allora l’augusto, che subirebbe il fascino di queste perfezioni se non fossero ostentate con tanto rigore, si rivolta. Egli vede che le ‘paillettes’ sono splendenti; però la spocchia con cui esse si propongono le rende irraggiungibili. L’augusto, che è il bambino che si caca sotto, si ribella a una simile perfezione; si ubriaca, si rotola per terra e anima, perciò, una contestazione perpetua. Questa è, dunque, la lotta tra il culto superbo della ragione (che giunge a un estetismo proposto con prepotenza) e l’istinto, la libertà dell’istinto. Il clown bianco e l’augusto sono la maestra e il bambino, la madre e il figlio monello; si potrebbe dire, infine: l’angelo con la spada fiammeggiante e il peccatore”.

(Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino, 1980, p. 117)

Critiche

“C’è un po’ di tutto in questi Clowns. Talora anche cacciato dentro a forza, come la feline apparizioni di Anita Ekberg fra le gabbie del Circo Orfei. Ma c’è anche tutto Fellini, sparso a piene mani: tutte le costanti della sua vena creativa, le sue dolcezze e le sue cattiverie, i suoi pudori e le sue effusioni, le sue credulità e i suoi scetticismi.” (Guglielmo Biraghi, “Il Messaggero”, 31 agosto 1970)

“La parte incantevole è la prima, quando Fellini, con mirabile purezza d’immagine e inimitabile forza icastica, accomuna nel ricordo la meraviglia per la gente del circo e lo stupore per i personaggi deformi della sua provincia natale.” (Giovanni Grazzini, “Corriere della Sera”, 31 agosto 1970)

“Dopo ‘La dolce vita’, egli ha usufruito, sembra, di una totale libertà – libertà del resto pienamente meritata – per esprimere i dubbi e le angosce di una personalità che ha trovato immagini disperate e cangianti per rappresentarsi sullo schermo. Con I clowns, egli ha saputo, seguendo la stessa ricerca introspettiva, trionfare sui limiti di una produzione su commissione. Forse che bisogna ora augurargli altri ostacoli, altre costrizioni? Fellini ha dimostrato in ogni caso che egli non aveva niente da perdere, semmai il contrario, ad affrontare e a superare tutti gli obblighi derivanti da imperativi esterni.” (Frédéric Vitoux, “Positif”, n. 129, juillet-août 1971)

Intervista

Posted on 01/17/202311/03/2023 by ernesta.ricciotti

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Intervista

Anno: 1987

Pellicola: colore

Durata: 113 min

Produzione: Aljosha Productions (Ibrahim Moussa), in collaborazione con Cinecittà e Rai Uno

Distribuzione: Academy

Visto censura: 82589 22/05/1987

Fellini sta girando a Cinecittà un film tratto da America, il romanzo di Kafka. Incalzato dalle domande di giornalisti giapponesi il regista racconta la sua prima visita, nel 1940, agli studi romani; era anche lui un giornalista, agli esordi, venuto a Cinecittà per intervistare una diva famosa. I ricordi di Fellini (gerarchi in orbace, il tranvetto azzurro per Cinecittà che attraversa la campagna romana, gli elefanti imperiali, gli indiani, ecc.) si affollano e si intrecciano con le domande dei suoi frenetici intervistatori, che filmano tutto. Ecco il giovane Fellini che finalmente intervista la diva, e intanto il suo aiuto regista attuale è in cerca di volti nuovi nella metropolitana. Poi arriva la polizia, avvertita da una telefonata della presenza di una bomba; quindi entra in scena Marcello Mastroianni con indosso il frac di Mandrake. E la bacchetta magica di questi farà apparire le immagini della Dolce vita, tra gli applausi dei presenti e le lacrime di Anita Ekberg. Il giorno dopo si riprende a girare America, ma un uragano interrompe le riprese. Una banda di indiani attacca Cinecittà con antenne tv come lance. Le riprese del film terminano, e tutti si salutano augurandosi buon Natale.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini

Sceneggiatura: Federico Fellini

Collaborazione alla sceneggiatura: Gianfranco Angelucci

Fotografia: Tonino Delli Colli (Eastmancolor – Dolby Stereo)

Musica: Nicola Piovani con un omaggio a Nino Rota

Suono: Dolby Spectar Recording

Scenografia: Danilo Donati

Costumi: Danilo Donati

Montaggio: Nino Baragli

Assistente alla regia: Daniela Barbiani, Filippo Ascione

Aiuto regia: Fiammetta Profili

Segretario di edizione: Norma Giacchero

Direttore del doppiaggio: Carlo Baccarini

Effetti sonori: Luciano Anzelotti, Massimo Anzelotti

Fonico di mixage: Romano Pampaloni

Organizzazione generale: Gino Milozza

Direttore di produzione: Roberto Mannoni

Produttore esecutiv: Pietro Notarianni

Produttore: Ibrahim Moussa

Ispettore di produzione: Michele Janczreck

Montaggio: Lillo Capoano

Delegato RAI alla produzione: Silvio Specchio

Segretario di produzione: Mario Mearelli

Cast

Federico Fellini: se stesso

Sergio Rubini: il giornalista

Paola Liguori: la diva

Maurizio Mein: assistente alla regia

Nadia Ottaviani : la vestale

Lara Wendel: la sposa

Antonella Ponziani: la ragazza

Pietro Notarianni: il gerarca fascista

Anita Ekberg: se stessa

Marcello Mastroianni: se stesso

Maria Teresa Battaglia

Antonio Cantafora

Roberta Carlucci

Ettore Geri

Eva Grimaldi

Armando Marra

Leonello Pio Di Savoia

Gemana Dominici

Adriana Facchetti

Mario Miyakawa

Patrizia Sacchi

Antonello Zanini: il “Chiodo” e tutta la troupe del film

Premi

1987

Festival de Cannes: Premio speciale per il 40° anniversario a Federico Fellini per il film e il complesso della sua opera

1987

Gran premio – Trofeo d’oro al Festival di Mosca

1988

Nomination César per il miglior film

Curiosità

“Non mi stancherò mai di ringraziare la Ekberg e soprattutto di ammirarla. E’ spiritosa, saggia, umile. La grazia e la disponibilità con cui ha accettato di riapparire in Intervista, in contrasto con l’immagine gloriosa di La dolce vita, mi hanno commosso. Per l’occasione io e Marcello andammo a trovarla nella sua casa ai Castelli romani, dove vive come una divinità campestre, serena, tranquilla, imperturbabile, senza che il corso degli anni la turbi minimamente. Ricordammo allora l’esperienza di La dolce vita. Può darsi che io sia stato un po’ crudele con lei, ma non era nelle mie intenzioni”.

(Fellini. Raccontando di me, conversazioni con Costanzo Costantini, Editori Riuniti, Roma, 1996, p. 199)

Critiche

Una seconda lettura del film ci conferma nell’impressione che ricavammo a Cannes. Intervista è il frutto singolare di un coscienzioso Fellini che, vuoi per l’umor nero che da tempo lo accompagna (giustificato dal crescere degli anni e dal rancore verso la TV con cui è pur costretto a convivere), vuoi per il frangersi del respiro creativo, ripercorre i mille spunti buffi e dolenti della sua mitologia e ci scherza su per esorcizzarne i ricatti, identificandosi con una Cinecittà mai così compiutamente evocata come fabbrica di cialtronate e di poesia.

(Giovanni Grazzini “Corriere della sera”, 2 ottobre 1987)

E’ stato detto che Intervista è Otto e mezzo con Fellini in persona al posto di Mastroianni, tanti pasticci sentimentali in meno, tanta saggezza in più. Ma è la saggezza di un vecchio clown, capace ormai di “sorridere alla vita e di ogni suo contenuto” (per dirle con le parole di un altro emulo di Charlot, Zeno Cosini). Federico sorride alla solerzia con cui i giapponesi si impegnano a carpirgli l’ultima verità; sorride al limite della lacrima sull’invecchiamento (a bella posta esagerato) di Marcello Mastroianni e Anita Ekberg paragonati alle loro immagini carismatiche in La dolce vita, sorride degli incidenti che costellano la lavorazione del film. Ma, sotto sotto, sorride anche di noi che prendiamo tutte queste sue fantasie per verità assoluta. Intervista è la pagina di un diario apocrifo intriso di sentimenti reali: il sentimento del tempo che cambia, la minaccia di un futuro imbarbarito (televisione uguale assalto degli indiani), l’indecifrabilità di un passato squallido (il fascismo e il suo cinema) o mitizzato (la giovinezza).

(“Tullio Kezich La Repubblica”, 2 ottobre 1987)

Intervista è una superba lezione di cinema. Lo è in tutti i sensi: per l’uso magistrale dei mezzi espressivi del cinema, ma anche per quello che il cinema è, in quanto tale (nel suo farsi, nel suo progettarsi, come sedimento della memoria e anche come “morte al lavoro”). Cinema nel suo farsi perché coloro che lo fanno, come abbiamo detto, come costantemente dietro e davanti la macchina da presa; cinema nel suo progettarsi, perché Fellini pensa e fa i provini per un ipotetico film futuro ispirato ad America di Kafka; cinema come sedimento della memoria, poiché Fellini rivive la chiave deliberatamente fantastica e menzognera la prima volta che egli da giornalista si recò a Cinecittà; cinema come “morte al lavoro”, perché, mai come qui, precisamente nella folgorante, ma anche straziante, rimpatriata di Fellini e Mastroianni con la Ekberg, l’”Anitona” di La dolce vita, si sperimenta su un piano addirittura fisico la verità del vecchio detto, attribuito a Cocteau.

(Callisto Cosulich “Paese sera”, 2 ottobre 1987)

Per capire e amare Intervista, e intenderne i limiti come conviene, basta conoscere la sua genesi produttiva: nato come programma televisivo, è diventato un tv-movie e, infine, un film-film per le sale, come se a Fellini fosse cresciuto tra le mani. E’ un piccolo film, in un certo senso, ma di quale grazia e garbo e brio. Certo che si può dire: lo si è già visto. Ma è anche ingeneroso dirlo se si pensa al piacere che dà. Può dirlo soltanto chi non ha saputo, o voluto, abbandonarsi al suo ritmo festoso, alla sua natura di film che cresce su se stesso come per partenogenesi, all’avvicendarsi di malinconia e allegria, di disarmata sincerità e impudico gioco di prestidigitazione, al disordine sapientemente organizzato, alla sua serenità armoniosa anche se lievemente triste, quella di un cineasta che ormai non ha più bisogno di dimostrare il suo talento o di giustificare le proprie feconde contraddizioni.

“Morando Morandini Il Giorno”, 6 ottobre 1987)

Ginger e Fred

Posted on 01/17/202304/17/2024 by ernesta.ricciotti

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Ginger e Fred

Anno: 1985

Pellicola: colore

Durata: 125 min

Produzione: PEA (Roma), Revcom Films in associazione con Anthea (München), in collaborazione con Rai Uno. Teatro di posa: Cinecittà

Distribuzione: internazionale Sacis, italiana Istituto Luce, Italnoleggio Cinematografico

Visto censura: 81020 30/10/1985

Alla stazione Termini scende Amelia, ex ballerina soprannominata “Ginger”, vedova e proprietaria di una piccola industria. Deve apparire in televisione per ballare, trent’anni dopo, col suo vecchio partner Pippo, in arte “Fred”. E’ il periodo natalizio, c’è una grande confusione. Ginger sale su un pulmino dove incontra strani personaggi; arriva in un grande albergo dove tutto il personale è davanti alla tv, preso da una partita di calcio. Fred non è ancora arrivato, e Ginger scende in strada, dove viene circondata da un gruppo di motociclisti minacciosi. Torna in stanza, sente russare e scopre che è Fred, invecchiato, ridotto a malpartito, che ha accettato di partecipare allo show soltanto per soldi. I due vorrebbero almeno provare il loro vecchio numero, ma non ci riescono per il bailamme degli strani personaggi, ospiti, come loro, della trasmissione Ed ecco a voi. Alla fine ci riescono ma è un disastro. Solo i complimenti del presidente della tv li convincono a partecipare allo spettacolo: quando tocca a loro è un successo. Alla stazione, nel momento della partenza, vengono riconosciuti e firmano autografi. Poi, dopo che Fred ottiene un po’ di soldi in prestito da Ginger, si separano. Lei parte. Le luci dei binari si spengono e resta solo la tv con i suoi martellanti spot pubblicitari.

per l’immagine del manifesto si ringrazia © Webphoto & Services

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini, Tonino Guerra

Sceneggiatura: Federico Fellini, Tonino Guerra, Tullio Pinelli

Fotografia: Tonino Delli Colli, Ennio Guarnieri

Operatore: Aldo Marchiori, Carlo Tafani, Gianni Fiore

Assistente operatore: Gianfranco Torinti, Antonio Scaramuzza, Marco Sperduti, Luca Luparini

Musica: Nicola Piovani (diretta dall’autore)

Scenografia: Dante Ferretti

Assistente scenografia: Franco Ceraolo

Effetti speciali: Adriano Pischiutta

Costumi: Danilo Donati

Arredamento: Gian Franco Fumagalli

Architetto: Nazzareno Piana

Assistente costumista: Rosanna Andreoni

Pitture: Rinaldo Geleng, Giuliano Geleng

Coreografia: Tony Ventura

Montaggio: Nino Baragli, Ugo De Rossi, Ruggero Mastroianni

Assistente al montaggio: Marcello Olasio

Segretario di edizione: Norma Del Pace Giacchero

Aiuto regia: Gianni Arduini

Assistente alla regia: Filippo Ascione, Daniela Barbiani, Eugenio Cappuccio, Anke Zindler

Trucco: Alfredo Tiberi

Parrucchiere: Aldo Signorelli, Rosa Luciani, Giancarlo Marin

Produttore: Alberto Grimaldi

Organizzazione generale: Luigi Millozza

Direttore di produzione: Walter Massi, Gianfranco Coduti, Roberto Mannoni, Raymond Leplont

Ispettore di produzione: Tullio Lullo, Fernando Rossi, Vieri Spadoni, Franco Marino

Segretario di produzione: Alessandro Mancini, Lyda Garozzo, Carla Ferroni, Maurizio Pigna, Filippo Spoletini, Marcello Mancini

Direttore del doppiaggio: Mario Maldesi

Mixage: Fausto Ancillai

Cast

Giulietta Masina : Ginger

Marcello Mastroianni : Fred – ep. Roma

Franco Fabrizi : presentatore

Frederick Ledenburg : ammiraglio

Augusto Pederosi : travestito

Martin Maria Blau : aiuto regista

Jacques Henri Lartigue : il frate volante

Toto Mignone : Toto

Ezio Marano : intellettuale

Antonie Saint Jean : assistente

Frederick Thun : sequestrato

Antonio Lorio : ispettore TV

Barbara Scoppa : giornalista

Elisabetta Flumeri : giornalista

Salvatore Billa : Clarke Gable

Ginestra Spinola : madre voci trapassati

Stefania Marini : la segretaria TV

Francesco Casale : mafioso

Gianfranco Casale : mafioso

Gianfranco Alpestre : avvocato

Filippo Ascione : pianista

Elena Cantarone : infermiera

Cosimo Chiusoli : la moglie dello spretato

Claudio Ciocca : cameraman

Sergio Ciulli : figlio voci trapassati

Federica Paccosi : ballerina

Alessandro Partexano : marinaio

Tiziana Bucarella

Leonardo Petrillo : Marcel Proust

Renato Grilli : Franz Kafka

Daniele Aldrovandi : Marty Feldmann

Barbara Montanari : Bette Davis

Barbara Golinska : Marlene Dietrich

Luigi Duca : Adriano Celentano

Eolo Capritti : Kojak

Premi

1986

Nastro d’argento per miglior attore

1985-86

Nastro d’argento per miglior attrice

1985-86

Nastro d’argento per miglior scenografia

1986

Nastro d’argento per migliori costumi

David di Donatello per miglior attore

David di Donatello per miglior musica

David di Donatello per migliori costumi

Premio David René Clair a Federico Fellini per il film

Nomination BAFTA (British Academy of Film and Television Arts Awards) per il miglior film straniero

Critiche

Testimone d’una civiltà avviata ad autodistruggersi mediante un sistema di comunicazioni che adultera la conoscenza, il cinema del nuovo Fellini è dunque un lamento sulla inattendibilità dei messaggi trasmessi fra popoli, individui e istituzioni, non ispirati a valori assoluti, ma metafore di verità provvisorie. E’ il gemito di un artista che in ognuno dei suoi personaggi, nei loro amori clandestini, nei loro intrighi, nelle loro movenze celesti o brutali legge le smorfie della società e le illusioni di qualche anima candida. Dunque un cinema sconfortante se ancora una volta la potenza della rappresentazione, l’incisività dei ritratti, il tragicomico di certe situazioni non ribaltasse l’angoscia di sberleffo. […] Ponendo il tema dell’imitazione al centro del racconto, e ricostruendo quasi tutto in studio, Ginger e Fred è il film migliore che sinora sia stato fatto sull’irrealtà in cui viviamo, codificata alla tv. C’è da rallegrarsi che sia toccato a Fellini, un maestro del cinema, ricordarci, amaramente giocando, che da un bel po’ siamo tutti dei sosia, e forse è per questo che sulla terra ci sentiamo spaesati. Non sappiamo più a chi dobbiamo assomigliare.

(Giovanni Grazzini, Il cinemondo. Dieci anni di film 1976-1986, Laterza, Roma-Bari, 1987)

L’accostamento a La dolce vita non è casuale, e non solo per la ragione un po’ banale che un autore – un Fellini, specialmente – continua sempre a fare lo stesso film. Quel che i settimanali in rotocalco erano stati ventisei anni fa per La dolce vita, il mondo della televisione con i suoi megashow è per Ginger e Fred. Non c’è dubbio che Fellini continui a essere se stesso: cantastorie, mago, illusionista, istrione, mistificatore, disposto a tutto pur di giocare le carte dello spettacolo, pur di celebrare la Rappresentazione, pur di suggerire che, nonostante tutto, la vita ha una sua dolcezza profonda, irrinunciabile […] Lo sguardo di Fellini mi sembra cambiato: s’è fatto più sconfortato. Se La dolce vita poté essere definito un viaggio attraverso il disgusto, Ginger e Fred è una traversata del mare della volgarità. E la volgarità è quella della televisione, del diluvio pubblicitario, della civiltà dei consumi. Lo si avverte anche dai segnali, pochi ma inequivocabili, che il film manda sul mondo esterno al megashow televisivo: quelli sulla degradazione di Roma, per esempio.

(Morando Morandini, “Il Giorno”, 14 gennaio 1986)

Un film girato magistralmente e che rinnova il successo di un marchio di fabbrica famoso. Ma che razza di film è? Soltanto un film di circostanza per offrire un’occasione a Giulietta e Marcello? Oppure un film nato da una necessità espressiva e tale da aggiungere qualcosa a ciò che sapevamo di Fellini e del suo mondo? La risposta quasi unanime dei giornali francesi, preoccupati per l’invasione berlusconiana, è che Ginger e Fred è una denuncia del genocidio culturale perpetrato nella degenerazione del fenomeno televisivo. Altri ribattono che non si tratta soltanto di un pamphlet contro la tv, ma contro tutta la società di oggi: una specie di Prova d’orchestra Parte II […] Il senso stoico di Ginger e Fred è che forse non c’è niente da capire, bisogna solo vivere. Bisogna imparare a galleggiare come faceva Marcello in La dolce vita; anche se le acque pian piano diventano quelle dello Stige come nel progettato e mai realizzato Il viaggio di G. Mastorna; anche se al giorno d’oggi si ha l’impressione di galleggiare su un mare inquinato come Ginger e Fred.

(Tullio Kezich, “La Repubblica”, 13 gennaio 1986)

Immaginate il film come uno show partorito dalle fantasie riunite di Costanzo, Tortora, Aiazzone, Ed Sullivan, Rai 3 sezione documentari, Silvio Noto, la vecchia Italnoleggio e Jerry Lewis. A tutto questo Fellini dà il tocco dell’artista, quel quid che trasforma in luce la notte, in sublime il volgare, in Berlusconi l’informe videocassetta. Abbiamo detto “volgare” non in riferimento ad alcuni frammenti osé, come alla scenetta dell’inventore dello slip commestibile che ne dà dimostrazione; né a quella qualità così difficile da rubare alla nostra commedia crepuscolare che irride solo: deboli, vecchi, bambini e sciancati. Ma alla magia di saper parlare su tutto a tutti, alla popolana scienza della conquista del pubblico, che Fellini certo conosce almeno quanto Pippo Baudo e Mike, e gestisce con l’istinto del volpino che non ha bisogno di firmare contratti con Canale 5.

(Roberto Silvestri, “Il Manifesto”, 25 gennaio 1986)

E la nave va

Posted on 01/17/202304/17/2024 by ernesta.ricciotti

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E la nave va

Anno: 1983

Pellicola: colore

Durata: 132 min

Produzione: RAI Radiotelevisione e Vides Produzione (Italia), Gaumont (Francia). Teatro di posa: Cinecittà

Visto censura: 79229 31/10/1983

Un transatlantico, Gloria N., è pronto a salpare. Siamo nel porto di Napoli, è il luglio del 1914. Intorno al molo una folla di scugnizzi e venditori ambulanti, mentre in fretta giungono i passeggeri per imbarcarsi. Arrivano anche le ceneri di una famosa cantante, Edmea Tetua; è per spargere queste in mare che è stata organizzata la crociera verso Erimo. A bordo c’è anche un giornalista, Orlando, che intrattiene i passeggeri, in gran parte cantanti, direttori d’orchestra, ammiratori di Edmea. Una cantante vuole carpire i segreti della sua bravura; un nobile italiano trasforma la sua cabina in un tempio dedicato ad Edmea. Dalla stiva sale il fetore insopportabile di un rinoceronte, che poi viene issato sul ponte e lavato. Vengono raccolti naufraghi serbi fuggiti dopo l’attentato di Sarajevo. La vita a bordo si anima, finché giunti in vista di Erimo le ceneri di Edmea sono sparse in mare. Un serbo lancia una bomba contro una nave da guerra austro ungarica e questa cannoneggia la Gloria N. che affonda; anche l’ammiraglia austro ungarica cola a picco esplodendo. Il giornalista Orlando si ritrova su una scialuppa di salvataggio assieme al rinoceronte, che rumina placidamente.

per l’immagine del manifesto si ringrazia © Webphoto & Services

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini,

Tonino Guerra

Sceneggiatura: Federico Fellini, Tonino Guerra

Testi delle opere liriche: Andrea Zanzotto

Fotografia: Giuseppe Rotunno (Technicolor)

Operatore: Gianni Fiore

Assistente operatore: Gian Maria Majorana, Luigi Bernardini

Musica: Gianfranco Plenizio (diretta dall’autore)

Orchestra e coro: RAI Radiotelevisione italiana

Maestro del coro: Ines Meisters

Maestro collaboratore: Elvio Monti

Scenografia: Dante Ferretti

Costumi: Maurizio Millenotti

Assistente costumista: Barbara Mastroianni

Coreografia: Leonetta Bentivoglio

Architetto: Nazzareno Piana, Massimo Razzi

Arredamento: Massimo Tavazzi, Francesco Lo Schiavo

Pitture e affreschi: Rinaldo Geleng, Giuliano Geleng

Pittore scenografo: Italo Tomassi

Sculture: Giovanni Gianese

Effetti: Adriano Pischiutta

Montaggio: Ruggero Mastroianni

Assistente al montaggio: Adriana Olasio, Leda Bellini, Rosanna Landi

Aiuto regia: Giovanni Arduino

Assistente alla regia: Andrea De Carlo

Segretario di edizione: Norma Giacchero

Direttore di produzione: Lucio Orlandini

Sceneggiatura: Catherine Breillat (troupe francese)

Aiuto regia: Terry Nahon (troupe francese)

Direttore di produzione: George Dybman (troupe francese)

Ispettore di produzione: Willy Rahau (troupe francese)

Adattamento dei dialoghi italiani: Roberto De Leonardis

Cast

Freddie Jones: Orlando

Barbara Jefford: Ildebranda Cuffari cantante

Vittorio Poletti: Aureliano Fuciletto cantante

Peter Cellier: Sir Reginald Dongwy

Elisa Mainardi: Teresa Valegnani cantante

Norma West: Lady Violet Dongwy

Paolo Paoloni : il maestro Albertini

Sara Jane Varley: Dorotea

Fiorenzo Serra: il granduca di Harzock

Pina Bausch: la principessa Lherimia

Pasquale Zito: il conte di Bassano

Janet Suzman: Edmea Tetua

Linda Polan: Ines Ruffo Saltini

Philip Loche: Primo ministro

Jonathan Cecil: Ricotin

Maurice Barrier: Ziloev cantante

Fred Williams: Sebastiano Lepori cantante

Elizabeth Kaza: produttrice

Mara Zampieri: Ildebranda Cuffari cantante

Elizabet Norberg Schulxz: Ines Ruffo Saltini cantante

Nucci Condò: Teresa Valegnani cantante

Giovanni Bavaglio: Aureliano Fuciletto cantante

Carlo Di Giacomo: Sebastiano Lepori cantante

Boris Carmeli: Ziloev cantante

Bernadette Lucarfini: Secondo soprano serbo cantante

Bruno Beccaria: Tenore serbo cantante

Premi

1984

Nastro d’argento per miglior regia

1983-1984

Nastro d’argento per miglior fotografia

1983-1984

Nastro d’argento per miglior scenografia

1986

Nastro d’argento per migliori costumi

Nastro d’argento per migliori effetti speciali

David di Donatello per miglior film

David di Donatello per miglior sceneggiatura

David di Donatello per miglior fotografia

David di Donatello per miglior scenografia

Premio David Luchino Visconti a Federico Fellini in omaggio alla carriera

Premio Sant Jordi per il miglior film straniero

Curiosità

“Vorrei che negli ingressi del cinema venissero posti dei cartelloni con su scritto: ‘Non c’è nient’altro che quello che vedete’. Oppure: ‘Non sforzatevi di vedere che cosa c’è dietro, se no rischiate di non vedere neppure quello che c’è davanti’. […] Il film racconta semplicemente un viaggio in nave per disperdere al largo le ceneri di una celebre cantante degli anni ’20. Degli amici mi hanno detto che è un film terribile, che ha qualcosa di oscuramente minaccioso, mentre io credo che abbia invece una sua allegrezza di fondo. […] In E la nave va io ho espresso, più o meno sinceramente, più o meno artificiosamente […] il senso di smarrimento che c’invade. Il timore del peggio è uno stato d’animo o un presentimento con il quale conviviamo da lungo tempo e che non sembra destinato ad abbandonarci. […] Non mi pare che il rinoceronte che naviga sulla ‘Gloria N.’ abbia nulla a che fare con il mostro che appare sulla spiaggia nel finale della Dolce vita. Un simbolo è tale in quanto non si può spiegare, in quanto va oltre il concetto, oltre la ragione, in quanto contiene degli elementi irrazionali o mitici. Perché mi si vuole costringere a spiegarlo? In ogni caso, il rinoceronte che è sulla nave, se ha un significato, questo significato va inteso in senso totalmente opposto. Il mostro di La dolce vita era uno specchio della degenerazione del protagonista, mentre il rinoceronte di E la nave va potrebbe suggerire un’interpretazione, ad esempio, di questo tipo: l’unico tentativo per evitare il disastro, per non precipitare nella catastrofe, potrebbe essere quello diretto a recuperare la parte inconscia, profonda, salutare di noi stessi. E’ in questo senso che si potrebbe spiegare la frase “farsi nutrire dal latte del rinoceronte”. Ma si tratta sempre di spiegazioni un po’ goffe, com’è goffo l’accostamento del rinoceronte al mostro di La dolce vita. Una fantasia, se autentica, contiene tutto, e non ha bisogno di spiegazioni”.

(Fellini. Raccontando di me, conversazioni con Costanzo Costantini, Editori Riuniti, Roma, 1996, pp. 182-185)

Critiche

Il mare è finto, la corazzata è una sagoma, tutto il film è stato girato in studio. Perché, allora, il pubblico accetta? Mi sono risposto che la verità delle sue immagini s’impone allo spettatore con l’evidenza di un sogno. Come nella vita non abbiamo mai la scelta del sogno, ma è il sogno che sceglie noi, così E la nave va bussa come un sogno alla nostra porta, anzi la sforza – dice Caillois – “come un visitatore impaziente e scostumato” […] Felliniano senza fellinismi, o quasi; film sulla musica che alla musica tende (ma la mancanza di Nino Rota si sente…); tutto posto sotto il segno del lutto, ma sereno e come dolcemente distaccato; ricco di molte bellezze, ma senza prevaricazioni scenografiche; allarmante e qua e là angoscioso, ma anche divertente, allegro, pervaso da un quieto e cauto amore per la vita, E la nave va è un film diverso: appare come la prima tappa della terza età di Fellini. Questa diversità s’avverte anche nell’atteggiamento verso le figure e le figurine che affollano la nave, tra le quali bisogna citare almeno l’enigmatica principessa cieca Pina Bausch. Fellini mette la sordina al suo gusto della caricatura, dell’irrisione scherzosa, del mostruoso: c’è affetto ma con distacco critico verso questi personaggi e c’è soprattutto rispetto.

(Morando Morandini “Il Giorno”, 7 ottobre 1983)

Eppure questo è un film con tanti cassetti segreti, pieno di doppi fondi e di sorprese. Facilissimo da capire anche per un bambino, immediatamente moltiplicabile in un’estrema varietà di suggestioni e significati. E la nave va è innanzi tutto una cosa da guardare perché è bella, traboccante di animazione e di colori. Poi una cosa su cui riflettere: non sistematicamente, non con lo spirito di chi cerca una risposta a un problema. Tra le contraddizioni di Fellini, nemico da sempre di ogni forma di “engagement”, c’è anche quella di non riuscire a sottrarsi al momento in cui vive. E neanche alla tentazione del “guru” che, dopo essere stato tanto sollecitato, emette suo malgrado una sentenza, un viatico, qualcosa che aiuta a vivere: l’immagine di Orlando sulla stessa barca del rinoceronte, come un Ismaele che si sia tirato Moby Dick sul relitto della nave. Il Testimone e il Mostro, l’Intelligenza e la Natura nella sua totalità: stretti insieme sull’ultima cosa che galleggia, sull’acqua, dopo il naufragio di tutte le grandi navi della storia, indispensabili l’uno all’altro, imprescindibili, legati per sempre. Un film che si può affrontare senza l’assillo dei superpensieri e dei superimpegni, proprio la favoletta di cui Fellini ha tanto parlato. Ma anche un film da sfogliare immagine per immagine, avanti e indietro, vedendolo e rivedendolo nell’attesa immancabile che si compia il miracolo dell’agnizione. Perché in quella folla di personaggi buffoneschi e caricaturali, lieti o minacciosi, là in un angolino della foto di gruppo, tra una dama e un ufficiale, tra un serbo e un fuochista, ci siamo anche noi.

(Tullio Keich “La Repubblica”, 7 ottobre 1983)

Se La nave va voleva essere grande spettacolo, grande spettacolo è, confermando la grande vitalità creativa di Fellini, tanto giovane da rinnovare il suo linguaggio senza tensioni e travagli apparenti, seguendo un ritmo biologico e fantastico insieme, transitante dalle esuberanti maschere grottesche ad un solare, vivido approccio con i personaggi-simbolo delle sue visioni. Il prologo, stupefacente, contiene la chiave del film, con l’arrivo dei passeggeri che s’imbarcano sulla nave Gloria N; girato con i modi dei cinegiornali Pathé, movimenti scoordinati, dame velate, cavalieri con i mustacchi che avanzano in corteo con il cofano contenente le ceneri della famosa cantante lirica Edmea Tetua che verranno sparse, alla fine della crociera su un’isola mediterranea. A poco a poco emergono i suoni, e passando attraverso il seppia e il bianco e nero affiorano i colori.

(Alfio Cantelli “Il Giornale”, 7 ottobre 1983)

La città delle donne

Posted on 01/17/202311/08/2023 by ernesta.ricciotti

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La città delle donne

Anno: 1980

Pellicola: colore

Durata: 145 min

Produzione: Opera Film Produzione (Roma), Gaumont (Paris)

Distribuzione: Gaumont – Italia

Visto censura: 74981 27/03/1980

Un treno attraversa la campagna: in uno scompartimento sonnecchia Snàporaz, un distinto cinquantenne. Appare un’avvenente sconosciuta e l’uomo la segue. Nella toilette i due iniziano a flirtare, poi la donna scende all’improvviso dal treno, in un paesaggio misterioso. E dietro lei, Snàporaz. Al Grand Hotel Miramare si sta svolgendo un convegno internazionale di femministe. Mentre continua la ricerca della misteriosa passeggera, Snàporaz, scambiato per un giornalista, viene aggredito. Salvato da una soubrette sui pattini, nella fuga scivola per le scale e piomba nelle cantine, dove incontra un donnone che, in moto, lo accompagna alla stazione; la virago, non appena si trovano in aperta campagna, cerca di violentarlo. E Snàporaz fugge ancora inseguito da donne inferocite. Si rifugia nel castello del dottor Katzone, suo ex compagno di scuola intento a festeggiare la sua carriera di libertino. Qui incontra sua moglie che, ubriaca, lo copre di insulti, e la soubrettina salvatrice. Dopo aver ripercorso alcune tappe della sua educazione sentimentale, viene catturato dalle femministe. La sua mongolfiera dalle forme di donna viene sgonfiata a colpi di mitra. Mentre sta precipitando, Snàporaz si risveglia in treno, seduto davanti alla moglie, poco prima che il convoglio imbocchi un lungo tunnel.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Sceneggiatura: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Collaborazione alla sceneggiatura: Brunello Rondi

Fotografia: Giuseppe Rotunno (Technovision – Colore)

Operatore: Gianni Fiore

Musica: Luis Bacalov

Direttore d’orchestra: Gianfranco Plenizio

Canzoni: “Una donna senza uomo è” (parole e musica di Mary Francolao), “Donna addio” (versi di Antonio Amurri)

Balletto: Mirella Agujaro

Consulente coreografie: Leonetta Bentivoglio

Ideazione scenografia: Federico Fellini

Scenografia: Dante Ferretti

Assistente scenografia: Claude Chevant

Architetto: Giorgio Giovannini

Aiuto architetto: Nazzareno Piana

Arredamento: Bruno Cesari, Carlo Gervasi

Scenotecnico: Italo Tomassi

Sculture: Giovanni Chianese

Pitture e affreschi: Rinaldo Geleng, Giuliano Geleng

Costumi: Gabriella Pescucci, Piattelli (per Mastroianni)

Aiuto costumi: Maurizio Millenotti, Marcella De Marchis

Aiuto regia: Maurizio Mein

Assistente alla regia: Giovanni Bentivoglio, Anonio Amurri

Aiuto regia: Jean Louis Godfroy (2a unità)

Effetti speciali: Adriano Pischiutta

Suono: Tommaso Quattrini, Pierre Paul Marie Lorrain

Trucco: Rino Carboni

Montaggio: Ruggero Mastroianni

Assistente al montaggio: Bruno Sarandrea, Roberto Puglisi

Aiuto montaggio: Adriana Olasio

Produttore esecutivo: Franco Rossellini

Organizzazione generale: Lamberto Pippia

Direttore di produzione: Francesco Orefici, Philippe Lorain Bernard (2a unità)

Cast

Marcello Mastroianni : Snàporaz

Anna Prucnal : la moglie di Snàporaz

Bernice Stegers : la signora del treno

Ettore Manni : dott. Sante Kartzone

Iole Silvani : la motociclista contadina grassa

Donatella Damiani : Donatella la soubrettina

Fiammetta Baralla : “Ollio”

Helen G. Calzarelli

Catherine Carrel

Marcello Di Falco : omosessuale alla festa Kartzone

Silvana Fusacchia

Gabriella Giogelli : la pescivendola

Dominique Labourier

Stephane Emilfork

Sylvie Mayer

Meerberger Nahyr

Sibilla Sedat

Katren Gebelein

Alessandra Panelli : massaia con bimbo in braccio

Nadia Vasil

Loredana Solfizi

Fiorella Molinari

Rosaria Tafuri : Sara la seconda soubrettina

Sylvie Wacrenier

Carla Terlizzi : una femminista

Jill Lucas : una delle due gemelle

Viviane Lucas : una delle due gemelle

Mara Ciukleva : la vecchia signora di ottantacinque anni

Mimmo Poli : partecipa alla festa di Kartzone

Nello Pazzafini : compare nella scena finale dello stadio

Armando Paracino : uno dei tre vecchi maghi nella sequenza dei ricordi

Umberto Zuanelli : uno dei tre vecchi maghi nella sequenza dei ricordi

Pietro Fumagalli : uno dei tre vecchi maghi nella sequenza dei ricordi

Premi

1980

Nastro d’argento per miglior regia

Nastro d’argento per miglior fotografia

Nastro d’argento per migliori costumi

Curiosità

“Sono sempre stato attratto dai sogni, ma di tutti i miei film solo La città delle donne è quasi interamente un sogno. Ogni cosa nel film ha un significato nascosto, proprio come in un sogno, tranne l’inizio e la fine, quando Snaporaz è sveglio nel vagone letto. E’ il risvolto da incubo del sogno di Guido in Otto e mezzo”.

(Charlotte Chandler, Io, Federico Fellini, Mondadori, Milano, 1995, p. 2269)

Critiche

Con più angoscia che divertimento, Fellini riprende i sentieri di Amarcord in una progressiva perdita delle illusioni sul ruolo dell’uomo nel mondo contemporaneo. Il film ha il limite dichiarato di mantenersi nell’area autobiografica, sia pure capricciosamente dilatata, senza spingere la sua forza regressiva a quella riscoperta dei “grandi sogni” dell’umanità primitiva teorizzati da Jung.

(Tullio Kezich, Il nuovissimo Millefilm. Cinque anni al cinema 1977-1982, Il Formichiere, Milano, 1983)

Arrivato sulla soglia della terza età […] Fellini come regista è (per sua fortuna e nostra) entrato in quella splendida maturità in cui un mostro sacro riesce a profondere i suoi tesori di bravura per il solo piacere di farlo. C’è, dietro la festa delle immagini, dei colori, un piacere di fare del cinema che fin dalle prime scene diventa anche il tuo, di spettatore, come da tempo non ti capitava di provare. E allora che ti importa se Fellini, concettualmente, scopre l’acqua calda? Ti lasci portare dalla cavalcata delle invenzioni, e riesci ancora a stupirti (come un ragazzino che ha scoperto da poco il cinema), a ogni sequenza, a ogni inquadratura. Se nella Città delle donne latita la suspence per la storia, o per gli ingredienti (non te ne importa niente di come andranno a finire Snàporaz o Katzone, sai benissimo che a un dato punto arriveranno Rimini e le comparse tettone) c’è la suspence delle immagini, delle trovate sceniche (avverti benissimo che Fellini sta per inventare, ma l’invenzione non sai mai come e a che punto ti arriva).

(Giorgio Carbone, “La Notte”, Milano, 29 marzo 1980)

Una fiaba che Fellini si è divertito a raccontargli (allo spettatore) ripercorrendo intenzionalmente tutte le tappe del suo cinema, qua dando spazio, ancora una volta, ai ricordi, come in Otto e mezzo e in Amarcord, là facendo il punto di nuovo sul presente, come nella Dolce vita e in Prova d’orchestra, alternando l’incubo al sogno, la visione allo scherzo e all’aneddoto, moltiplicando e variando le lingue e le tecniche, riscoprendo e rileggendo l’immaginato e il reale con un estro e una fertilità di invenzioni da lasciare spesso affascinati e stupiti.

(Gian Luigi Rondi, “Il Tempo”, Roma, 29 marzo 1980)

Opera […] slegata ma a suo modo coerente, unita dallo straordinario catalogo di immagini impreviste e stimolanti, La città delle donne è il film più fantasioso e sfrenato di Fellini, ciò che non significa che sia il migliore. Certe parti ripetono, anche se dilatati e affinati, alcuni temi ricorrenti del regista (Rimini, il Luna park), sicché non si può dire che l’originalità delle trovate riesca sempre a nascondere qualche caduta di tono e anche di gusto. E’ tuttavia un’opera di fronte alla quale è difficile annoiarsi, a patto […] di non esercitarvi una esegesi inutilmente puntigliosa, ma di abbandonarsi al puro godimento delle immagini.

(Angelo Solmi, “Oggi”, 18 aprile 1980)

“Che razza di film è questo?”, si chiede a un certo punto della vicenda Snàporaz-Fellini. Rispondiamo che, nonostante qualche eccesso di goloso figurativismo, La città delle donne è un grande film dove, al di là della metafora, impietosa tanto con la donna quanto con l’uomo, si ritrovano alcune componenti del Fellini migliore: l’afflato mitologico della Dolce vita, l’ebbrezza magica di Giulietta degli spiriti, la nostalgia di Amarcord, l’ambiguità favolistica di Otto e mezzo, del quale può dirsi la continuazione.

(Domenico Meccoli, “Epoca”, 5 aprile 1980)

Prova d’orchestra

Posted on 01/17/202311/03/2023 by ernesta.ricciotti

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Prova d’orchestra

Anno: 1979

Pellicola: colore

Durata: 70 min

Produzione: Daime Cinematografica S.p.A. e Rai – TV (Roma), Albatros Produktion G.M.B.H. (Monaco)

Distribuzione: Gaumont – Italia

Visto censura: 73109 19/02/1979

All’interno di un antico oratorio si svolgono le prove di un concerto sinfonico. Gli strumentisti arrivano a gruppetti e prendono posto. Ci sono anche, in un angolo, i rappresentanti sindacali. Un giornalista televisivo intervista i musicisti: ognuno parla del suo strumento e delle sue esperienze. All’arrivo del maestro, che si esprime con spiccato accento tedesco, la prova inizia con calma. Poi all’improvviso si interrompe per le proteste degli orchestrali. Il direttore abbandona la sala per il suo camerino dove lo segue il giornalista per intervistarlo. Intanto nell’oratorio è la rivoluzione: tutto viene contestato, dal direttore agli spartiti; l’anarchia e il disordine regnano, con le pareti imbrattate da scritte e simboli di rivolta. D’un tratto l’edificio inizia a tremare, scosso da colpi sempre più forti finché una gigantesca palla di acciaio non sfonda i muri, e nel crollo muore l’arpista. Dopo momenti di confusione e grida di terrore torna il silenzio e la prova riprende. Di nuovo sul podio, il direttore d’orchestra impartisce i suoi ordini, come un dittatore.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini

Sceneggiatura: Federico Fellini

Collaborazione alla sceneggiatura: Brunello Rondi

Fotografia: Giuseppe Rotunno (Technicolor)

Musica: Nino Rota

Consulente musicale: Carlo Savina

Direttore d’orchestra: Carlo Savina

Scenografia: Dante Ferretti

Arredamento: Nazzareno Piana

Montaggio: Ruggero Mastroianni

Assistente al montaggio: Adriana Olasio

Effetti speciali: Adriano Pischiutta

Costumi: Gabriella Pescucci

Aiuto regia: Maurizio Mein

Assistente alla regia: Christa Reeh, Giovanni Bentivoglio

Operatore: Gianni Fiore

Direttore del doppiaggio: Carlo Baccarini

Organizzazione generale: Lamberto Pippia

Delegato RAI alla produzione: Fabio Storelli

Cast

Baldwin Baas: il direttore d’orchestra

Clara Colosimo: l’arpista

Elisabeth Labi: la pianista

Ronaldo Bonacchi: il controfagotto

Ferdinando Villella: il violoncello

Giovanni Javarone: la tuba

David Mauhsell: il primo violino

Francesco Aluigi: il secondo violino

Andy Miller: l’oboe

Sibyl Mostert: la flautista

Franco Mazzieri: la tromba

Daniele Pagani: la tromba

Luigi Uzzo: il violino

Cesare Martignoni: il clarinetto

Umberto Zuanelli: il copista

Filippo Trincia: il responsabile dell’orchestra

Claudio Ciocca: il sindacalista

Angelica Hansen: violino

Heinz Kreuger: violino

Federico Fellini: voce dell’intervistatore

Premi

1979

Nastro d’argento per miglior musica

Curiosità

“Avevo altri progetti, non era urgente, non sentivo l’urgenza di fare questo. Non corrispondeva a un bisogno. A un certo punto il bisogno l’ho sentito, quando hanno ammazzato Moro. Sì, quando ho saputo che avevano ammazzato Moro. Mi fece un’impressione enorme. Ma non il fatto in sé, io me l’aspettavo. Ma il rifletterci su, per capire il senso profondo di quello che era accaduto e del perché era accaduto. Che cosa avevano voluto fare quelli che l’avevano ammazzato? Che ci era successo a tutti noi che viviamo in questo Paese? Perché eravamo ridotti a questo punto? Tra questo e il film non c’è stata nessuna connessione diretta, o almeno io non me ne sono reso conto. Il nesso l’ho percepito molto tempo dopo, quando il film era già finito, anzi quando era già in programmazione. Non è che fin dall’inizio io non annettessi al film i significati che ha, ma non avevo coscienza del perché a un certo punto mi fosse diventato urgente il farlo. Ebbene, poi l’ho saputo: è stato l’assassinio di Moro”.

(Franca Faldini, Goffredo Fofi, Il cinema italiano d’oggi, 1970-1984. Raccontato dai suoi protagonisti, Mondadori, Milano, 1984, p. 258)

Critiche

Fellini riesce a fondere, in poco più poco meno di 70 minuti di spettacolo, grottesco, nostalgico, verità, profezia, inquietudine ed ansia, in un amalgama davvero insolito senza che un mezzo minuto soltanto del fitto discorso evocativo, rappresentativo o volto alla previsione, vada sprecato o cada inerte. Ha momenti di struggente e drammatica forza poetica, ma non ha bisogno (come altre volte anche a lui poteva accadere) di prepararli con uno scorrere più spento di immagini; non ha nessun desiderio di prolungare in echi e riflessi, anche i più alti risultati raggiunti. Insuperabile nel costruire, all’interno dell’opera, “frammenti” di toccante qualità, Fellini in questo film riesce a discorrere in una inflessibile continuità, sia pur per frammenti!

(Leone Piccioni “Il Tempo”, 25 novembre 1978)

E’ un film sconvolgente. Se ne possono fare differenti letture. Esse sono tutte vere, contemporanee, uguali. Voglio dire che non si può stabilire alcuna gerarchia tra la parabola sull’attuale caos politico italiano (ed il suo posto nell’attuale squilibrio planetario), la riflessione sul ruolo dei mezzi di comunicazione, la meditazione metafisica sulla funzione dell’uomo nella società, la sua necessità, il suo divenire, il suo rapporto con la creazione […] Ciò di cui certamente Fellini ci parla è della musica. Vale a dire dell’arte, della creazione, del mezzo per andare al di là dell’effimero, della morte, della banalità. Ciò che Fellini ci dice è che la mediocrità è insopportabile. Perché limitare la portata del film alla sua dimensione analizzabile, logica, parabolica, non vuol dir nulla. Prova d’orchestra è un grido straziante, metà appello e metà stigmatizzazione; è in ogni caso, e sotterraneamente, un grido di speranza. Poiché Fellini, malgrado la contraddizione dolorosa e commovente degli ultimi minuti, non ha mai smesso di sperare.

(Mireille Amiel “Cinéma 79”, n. 247-248, juillet-août 1979)

Come tutto il Fellini televisivo da Block-notes di un regista a I clowns, ha una leggerezza di tocco e una capacità di sintesi ormai difficili da trovare nelle opere maggiori. Nei ritratti degli orchestrali si conferma l’estro dell’antico caricaturista, ma esaltato in una dimensione gogoliana, mentre la figura del direttore è in parte l’occasione di uno sfogo autobiografico, in parte un’autocritica spinta al paradosso (dopo un ispirato discorso di impronta junghiana sulla necessità di suonare bene il proprio strumento, il personaggio spara una serie di ordini in tedesco). Nell’insieme il film, padroneggiato con superiore bravura, è un saggio genialmente contraddittorio: divertente e tristissimo, positivo e disperato, cattivante e stizzoso.

(Tullio Kezich Il Centofilm 2. Un anno di cinema 1978-1979, Il Formichiere, Milano, 1979)

A un certo punto, nel momento di massima degradazione (e questo è detto in termini di strutture non di valori estetici: infatti sono probabilmente i momenti migliori del film) interviene il famoso maglio di ferro, preludio all’avvento di un nuovo ordine. Della Rivoluzione, della Restaurazione, della Provvidenza? No, è solo il simbolo di se stesso, il simbolo del simbolico. Nel momento della deriva, quando più nulla è codificato, si afferma l’ipotesi di un ritorno all’ordine del simbolico, ai linguaggi della certezza, alla compattezza, ferrea, dell’opera. Assieme alla grande palla di ferro è il cinema che rientra nella televisione, portandovi i suoi effetti speciali, le sue nuvole di fumo, le sue scenografie da studio, il fantastico, le forti emozioni, tutto ciò che il cinema può fare ma non la TV. E’ il cinema “per” la TV, è l’orchestra che ricomincia a suonare.

(Alberto Farassino” La Repubblica”, 15 marzo 1979)

Il Casanova di Federico Fellini

Posted on 01/17/202311/06/2023 by ernesta.ricciotti

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Il Casanova di Federico Fellini

Anno: 1976

Pellicola: colore

Durata: 170 min

Produzione: PEA

Distribuzione: Titanus

Visto censura: 69484 01/12/1976

Durante il carnevale di Venezia Giacomo Casanova accetta di mostrare la sua valentia amorosa con suor Maddalena e compiacere così l’amante guardone della donna, l’ambasciatore di Francia da cui Casanova spera di ottenere benefici. Ma è arrestato dall’Inquisizione con l’accusa di magia nera. Fugge dal carcere dei Piombi ed è a Parigi ospite della Marchesa d’Urfé che vuole ottenere da lui il segreto dell’immortalità. Poi Casanova lascia Parigi e riprende la sua frenetica attività di seduttore. Fra i suoi amori c’è quello infelice con Henriette, che lo fa disperare e lo abbandona. A Roma partecipa a una gara amatoria con un pololano, vincendola. A Roma incontra anche il Papa e la madre ormai ben poco interessata alle sue sorti. Infine la vecchiaia, l’impiego come bibliotecario, il suo fascino svanito, l’oblio delle corti, fino alla solitudine di un ballo con una bambola meccanica, ricordo di un passato sempre più lontano.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: liberamente basato su “Storie della mia vita” di Giacomo Casanova

Sceneggiatura: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Fotografia: Giuseppe Rotunno (Technicolor)

Operatore: Massimo Di Venanzo

Aiuto operatore: Wolfgango Soldati, Bruno Garbuglia

Musica: Nino Rota

Direttore d’orchestra: Carlo Savina

Canzoni: “La grande mouna” di Tonino Guerra, “La mantide religiosa” di Antonio Amurri, “Il cacciatore di Wurtemberg” di Carl A. Walken

Versi in dialetto veneziano: Andrea Zanzotto

Ideazione scenografia: Federico Fellini

Scenografia: Danilo Donati

Costumi: Danilo Donati

Aiuto costumi: Gloria Mussetta, Raimonda Gaetani, Rita Giacchero

Architetto: Giantito Burchiellaro, Giorgio Giovannini

Aiuto scenografia: Antonello Geleng

Montaggio: Ruggero Mastroianni

Assistente al montaggio: Adriana Olasio, Marcello Olasio, Ugo De Rossi

Aiuto regia: Maurizio Mein, Liliana Betti, Gerard Morin

Segretario di edizione: Norma Giacchero

Ispettore di produzione: Gilberto Scarpellini, Alessandro Gori, Fernando Rossi

Arredamento: Emio D’Andria

Suono: Oscar De Arcangelis

Aiuto suono: Franco De Arcangelis, Massimo De Arcangelis

Mixage: Fausto Ancillai

Coreografia: Gino Landi

Aiuto coreografie: Mirella Agujaro

Scenotecnico: Italo Tomassi

Pitture: Rinaldo Geleng, Giuliano Geleng

Disegni per la lanterna magica: Roland Topor

Sculture: Giovanni Giannesi

Trucco: Rino Carboni (Giannetto De Rossi e Fabrizio Sforza per Donald Sutherland)

Acconciature: Vitaliana Patacca

Aiuto acconciature: Gabriella Borzelli, Paolo Borzelli, Vincenzo Cardella

Effetti speciali: Adriano Pischiutta

Produttore: Alberto Grimaldi

Organizzazione generale: Giorgio Morra

Direttore di produzione: Lamberto Pippia

Assistente alla produzione: Alessandro von Normann, Mario Di Biase

Segretario di produzione: Titti Pesaro, Luciano Bonomi

Cast

Donald Sutherland : Giacomo Casanova

Tina Aumont : Henriette

Cicely Browne : la marchesa Durfé

Carmen Scarpitta : la signora Charpillon

Diane Kourys : la signora Charpillon

Clara Algranti : Marcolina

Daniela Gatti : Giselda

Margareth Clementi : Suor Maddalena

Mario Cencelli : Dott. Mobius l’entomologo

Silvana Fusacchia : altra figlia dell’entomologo

Chesty Morgan : Barberina

Adele Angela Lojodice : la bambola meccanica

Sandra Elanie Allen : la gigantessa

Clarissa Maryè Roll : Annamaria

Alessandra Belloni : la principessa

Marika Rivera : Astrodi

Angelica Hansen : attrice gobba

Marjorie Belle : Contessa di Waldestein

Marie Marquet : la madre di Casaova

Daniel Emilfork-Berestein : Du Bois
Luigi Zerbinati : il Papa

Premi

1976

Oscar per migliori costumi

1977

Nastro d’argento per miglior fotografia

1976-1977

Nastro d’argento per miglior scenografia

1976

Nastro d’argento per migliori costumi

1977

David di Donatello per miglior musica

1977

Nomination Oscar per miglior sceneggiatura non originale

Premio BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) per la miglior scenografia

Premio BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) per i migliori costumi
Nomination BAFTA (British Academy of Film and Television Arts Awards) per la miglior fotografia

Curiosità

“In un primo momento avevo pensato di affidare il ruolo di Casanova a Gian Maria Volonté. Sarebbe stato giovevole all’attore italiano, dopo tante figure tormentate che avevano fatto fare un balzo in avanti all’umanità, interpretare un personaggio destinato, per contro, a farle fare un balzo indietro, ma i successivi rinvii avevano portato a una rottura dei contratti. Avevo così affidato il ruolo di Casanova a Donald Sutherland, un candelone spermatico dall’occhio del masturbatore, quanto di più lontano si potesse immaginare da un avventuriero e dongiovanni come Casanova, ma un attore serio, preparato, professionale”.

(Fellini. Raccontando di me, conversazioni con Costanzo Costantini, Editori Riuniti, Roma, 1996, p. 138)

Critiche

Casanova com’era non ha mai minimamente interessato Fellini. Quello che lui ha visto è un altro dei fantasmi, delle proiezioni oniriche, che gli riempiono abitualmente la fantasia. Mostro tra i mostri, larva inquietante tra le tante che si ritrovano ad affollare le sue fantasticherie d’artista cresciuto tra i condizionamenti religiosi di una cittadina dell’Adriatico ed approdato in una Roma che gli ha sempre parlato specialmente come sede privilegiata di una società e di un costume ecclesiastici.

(Mauro Manciotti, “Il Secolo XIX”, 22 dicembre 1976)

Casanova è, forse, il miglior film di Fellini dopo Otto e mezzo, probabilmente il più svincolato dal fellinismo, certamente il più unitario e compatto (e non ha molto senso discettare se era proprio necessario arrivare alle 2 ore e 43 minuti di durata) per ricchezza e genialità di invenzioni figurative, tenuta narrativa, sapienza nel contemperare l’orribile col tenero e il favoloso con l’ironico, capacità di passare dal caricaturale al visionario. E’ sempre stata una delle peculiarità del suo talento, ma qui, pur con qualche ripetizione, si mantiene a un alto livello di omogeneità, appoggiata a un tessuto fonico che, nel suo raffinato mistilinguismo, è ammirevole quanto la stupenda tavolozza cromatica della fotografia di Rotunno.

(Morando Morandini, “Il Giorno”, 11 dicembre 1976)

Il Casanova non è un romanzo cinematografico, non ha progressione logica né veri nessi di racconto. I raccordi fra i nove o dieci capitoli sono rapidi e precari, ricordano le didascalie nei “comics”. Il gran circo di Federico Fellini appartiene all’avanguardia, come hanno ben capito i cineasti americani dell’”underground” fin dai tempi di Otto e mezzo. Nonostante i miliardi spesi con prodigalità, non ci troviamo dalle parti di quella che Flaubert chiamava “l’arte industriale”; siamo più vicini alla monoliticità, al “privatismo” e alla sfacciataggine di un Andy Warhol. Perciò il paragone, che l’attualità suggerisce fra Barry Lindon e Casanova registra più difformità che convergenze. Kubrick prende sul serio il romanzo ottocentesco e l’ambientazione settecentesca, le connotazioni sociologiche e politiche della vicenda: ha l’aria di aver letto e annotato un’intera biblioteca, di avere un suo giudizio morale sull’epoca e sul personaggio. Fellini ha sfogliato l’Histoire casanoviana come l’elenco telefonico, non ha in apparenza da proporre che impressioni, risentimenti, sfottiture. Però… Anche qui c’è un però: se il ‘700 rievocato di Kubrik ha le sue profonde motivazioni culturali, il ‘700 sognato di Fellini ha l’allarmante e misteriosa qualità di una visione profetica. Forse Jung avrebbe detto che Il Casanova è una profezia sul passato.

(Tullio Kezich, “La Repubblica”, 11 dicembre 1976)

Ricco, multiforme, vario di toni, forse non immune da qualche allentamento di ritmo, Il Casanova s’impone alla nostra ammirazione soprattutto nelle parti in cui il suo protagonista, invecchiando, acquista un’umanità che prima gli era avaramente negata, e così ci coinvolge.

(Dario Zanelli, “Il Resto del Carlino”, 19 dicembre 1976)

La voce della luna

Posted on 01/15/202311/07/2023 by ernesta.ricciotti

Torna a Fellini

La voce della luna

Anno: 1990

Pellicola: colore

Durata: 118 min

Produzione: Mario e Vittorio Cecchi Gori, per la C.G. Group Tiger Cinematografica e la Cinemax, con la collaborazione della Rai-Radiotelevisione italiana.
Teatri di posa: Stabilimenti Cinematografici Pontini SpA

Distribuzione: Penta Distribuzione
Visto censura: 85393 01/02/1990

E’ notte, c’è la luna piena. Ivo Salvini è attratto da una voce; si affaccia a un pozzo, poi un gruppo di uomini che attraversa la campagna lo incuriosisce. Li segue e assiste da dietro le persiane allo spogliarello della zia di uno di loro. Questi si accorge della sua presenza e lo caccia perché non ha pagato. Arriva un amico di Ivo e insieme se ne vanno. Seguono strani incontri, e in uno di questi la nonna di Ivo gli dice che “ricordare è bello, più che vivere”. In un’altra notte, di pioggia, Ivo riesce a contemplare il volto della sua amata mentre dorme finché questa, svegliatasi, lo caccia via. La mattina dopo nella piazza del paese c’è grande confusione di venditori ambulanti e frotte di turisti giapponesi che fotografano tutto. Ivo si rifugia su un tetto, la folla pensa che voglia suicidarsi, poi i vigili del fuoco lo salvano. Intanto i fratelli Micheluzzi cercano di catturare la luna, che si dice dia ordini a piccoli diavoli sulla terra. Ci riescono, e tutto il paese vuole vedere la luna prigioniera. E’ la televisione, su un grande schermo, che proietta le immagini. Un uomo gli spara, e lo schermo si spegne. Allora la piazza si svuota e Ivo, rimasto solo, ascolta la luna.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: liberamente ispirato al romanzo “Il poema dei lunatici” di Ermanno Cavazzoni

Sceneggiatura: Federico Fellini

Collaborazione alla sceneggiatura: Tullio Pinelli, Ermanno Cavazzoni

Fotografia: Tonino Delli Colli (Technicolor)

Tecnico del colore: Carlo La Bella

Musica: Nicola Piovani

Scenografia: Dante Ferretti

Costumi: Maurizio Millenotti

Aiuto costumi: Alfonsina Lettieri, Carlo Poggioli

Montaggio: Nino Baragli

Aiuto regia: Gianni Arduini

Assistente alla regia: Daniela Barbiani, Marco Polimeni

Operatore: Marco Spelduti

Assistente operatore: Massimo Intoppa, Roberto De Franceschi

Architetto: Massimo Razzi, Nazzareno Piana

Arredamento: Francesco Lo Schiavo

Coreografia: Mirella Agujaro

Suono: Tommaso Quattrini

Edizione: Lillo Capuano

Produttore esecutivo: Bruno Altissimi, Claudio Saraceni

Direttore di produzione: Roberto Mannoni

Organizzazione generale: Pietro Notarianni, Maurizio Pastrovich

Ispettore di produzione: Piero Spadoni, Nicola Mastrolilli

Cast

Roberto Benigni: Ivo Salvini

Paolo Villaggio: il prefetto Gonnella

Nadia Ottaviani: Aldina Ferruzzi

Marisa Tomasi: Marisa la vaporiera

Sim: l’oboista

Syusy Blady: la sorella di Aldina

Angelo Orlando: Nestore

Dario Ghirardi: il giornalista

Dominique Chevalier: il primo fratello Micheluzzi

Nigel Harris: Giuanin il secondo fratello Micheluzzi

Vito: terzo fratello Micheluzzi

Eraldo Turra: l’avvocato

Giordano Falzoni: il professore

Ferruccio Brembilla: il medico

Giovanni Javarone: il becchino

Lorose Keller : la duchessa

Patrizio Roversi: il figlio del prefetto Gonnella

Uta Schmidt: la nonna
Stefano Antonucci

Premi

1991

Nastro d’argento per miglior musica (Nicola Piovani) [nel premio a Piovani assieme al film di Fellini vengono menzionati anche “In nome del popolo sovrano” e “Il male oscuro”]

1989-1990

David di Donatello per miglior attore

David di Donatello per miglior scenografia
David di Donatello per miglior montaggio

Curiosità

“Mentre giocherellavo con la terra che passavo da una mano all’altra come se le mani fossero un imbuto, con la voce facevo vhuu. Ero un bambino abbastanza quieto, potevo divertirmi con un niente. A un certo momento mentre giocavo così, mi è parso di vedermi da sopra, da molto in alto, e di dondolare, di sentire un vento leggero tra i capelli. Poi ho sentito – ma è difficile descriverlo – di essere saldamente piantato dentro la terra. E le gambe di quel bambinetto che adesso vedevo – che ero io – sprofondavano nella terra; erano delle gambe così lunghe da dare la sensazione di essere delle radici. Tutto il corpo era percorso da una specie di sangue caldo, denso, che saliva, saliva e saliva sino alla testa con il vhuu che emettevo giuocando, e quel suono lo sentivo con un udito diverso, grandioso, più fine… […] Poi, quella sensazione di ebbrezza, di leggerezza e di potenza (potenza in basso e leggerezza in alto) sfumava nel cielo: ero diventato il pioppo! Ne La voce della luna questo episodio lo faccio raccontare a Benigni”.(Federico Fellini, Imago. Appunti di un visionario, conversazione-intervista a cura di Toni Maraini, Semar, Roma, 1994, pp. 29-30)

Critiche

Nonostante la quieta e rasserenata malinconia della conclusione con quella nota sulla necessità del silenzio (una frase con cui il lunare eroe si fa portavoce di Fellini), mi sembra il suo film più sconsolato. Non lo è solo per il ricorso ai temi della morte (echi di quel Mastorna che l’autore rumina da decenni), della follia (recupero di quel film de Le libere donne di Magliano di Tobino, che non volle o riuscì a fare), della vecchiaia, della solitudine, dello sgomento della vita. La voce della Luna è anche un desolato commento sulla volgarità e l’abominio del tempo presente. La sequenza – ancora ilare ma non più epica come un tempo – della gnoccata e dell’elezione di Miss Farina, con quella precipitosa e tetra partenza delle autorità in uno stridore di motori e di gomme, e la scena della discoteca mostruosa, risolta con lo struggente e ruffiano “coup dei théatre” del valzer di Strauss, sono eloquenti. La voce della Luna è una fiaba contro il rumore di fondo.

(Morando Morandini “Il Giorno”, 1 febbraio 1990)

La dimensione privilegiata che Fellini sceglie per stilizzare, anche in forme e modi eccentrici, la sua amarissima favola si condensa, peraltro, nel cerchio un po’ magico, un po’ falso d’un archetipico “paese” rappresentativo per sé solo di antiche e oggi sconosciute dolcezze, come dei guasti, della degradazione irresponsabile del consumismo imperante. In simile universo, costantemente dislocato al di sopra o al di fuori di qualsiasi razionale concezione della vita, del mondo, soltanto l’estro saturnino, interamente innocente dei puri di spirito e di cuore – come Salvini, appunto – potrà, forse, riscoprire il latte dell’umana bontà, dell’amore sincero e appassionato, della poesia nativa dei “matti beati”. Tali sono e restano, incorrotti e semplici, il già ricordato Salvini, folle d’amore (non corrisposto) per la fatua Aldina, e l’impettito, megalomane ex prefetto Gonnella, cui l’estromissione dal potere, dal comando mette addosso la geniale smania di negare, a sua volta, ogni cosa, ogni persona presuma di essere, di rappresentare la realtà. Torno torno a simili oblique e ubique ossessioni si muove, per di più, un campionario umano di frustrati, di relitti, di detriti che soltanto nel loro irriducibile, autoillusorio vitalismo cercano di trovare alibi, giustificazione ad un’esistenza vissuta, patita, si direbbe, allo sbando. Beninteso, nonostante questi aspetti angosciosi, il lucido, impietoso apologo felliniano non indugia, né indulge, quasi mai alle coloriture deprimenti. Anzi. Ne La voce della Luna, come in tant’altri film del cineasta riminese, la girandola vorticosa di gags, di paradossi e di parossismi tocca il vertice della prodigiosa maestria e della più surreale esilarazione, pur se la vena sotterranea del film è e rimane acutamente tragica. (Sauro Borelli “L’Unità”, 2 febbraio 1990)

La voce della Luna è una delle più affascinanti e poetiche avventure di Federico Fellini; attraverso sorrisi e buffonerie, una visione del mondo inquietante, disillusa e straziante. Fra leggende, favole e bizzarrie, Fellini ripropone tutto il suo sterminato universo di simboli, memorie, invenzioni: senza mai cadere nel “già visto”, nell’autocitazione, in filigrana si ritrovano, dalla prima all’ultima, tutte le opere del Maestro. Ma in quest’ultimo capolavoro, Fellini filtra ogni stilema, ne ripropone altri di grande originalità, svela una immaginazione intatta e sempre più feconda: con un caleidoscopio di caratteri in cui dolce e amaro, umorismo e malinconia, esuberanza e raffinatezza psicologica, sogni d’evasione e analisi spietate, acutezza di osservazione e varietà di temi, trame sottilissime, si rinnovano in un vorticoso carosello fantastico, ricco di sequenze memorabili. Astratto e fiabesco, irreale e magico, ilare e grottesco, La voce della Luna parla dei miti e dei riti di oggi (la televisione, i fast-food, le discoteche…); si rifugia nel sogno di ieri (la Bassa Padana, l’affabilità emiliano-romagnola, le fiere di paese, la festa del gnocco con Miss Farina, le cascine, le beffe…); si dispiega oltre la cortina effimera e rumorosa del presente. Se Amarcord era il “villaggio totale” della memoria, La voce della Luna è il rifugio ultimo contro le intemperie del mondo contemporaneo. Un film leopardiano, casto e candido come i versi del poeta.

(Vittorio Spiga “La Nazione”, 1 febbraio 1990)

Roma

Posted on 09/23/202204/17/2024 by ernesta.ricciotti

Torna a Fellini

Roma

Anno: 1972

Pellicola: colore

Durata: 119 min

Produzione: Ultra Film (Roma), Les Productions Artistes Associeés (Paris)

Distribuzione: Italnoleggio

Visto censura: 59913 08/03/1972

Primi anni trenta: a Rimini, un ragazzo ospite di un collegio di religiosi immagina Roma descritta dai suoi insegnanti e dalla retorica del regime fascista. Nel 1939, a venti anni, parte per la capitale e scopre il suo vero volto: i piccoli personaggi di una pensione popolare, le trattorie all’aperto, i bambini nelle strade. Poi si passa al 1972, agli ingorghi del raccordo anulare, con Fellini che gira un film in una città colma di turisti, tra i giovani che lo rimproverano per il suo disinteresse per la politica. Torna alla memoria l’immagine di un teatrino d’avanspettacolo rionale, con il pubblico vociante in fuga per un allarme aereo. Poi la scena si sposta nella galleria della metropolitana in costruzione, quando la scoperta di reperti archeologici fa sospendere i lavori. Quindi gli hippie di Piazza di Spagna, e la fauna variegata dei frequentatori, ricordo ormai lontano, dei bordelli degli anni quaranta. C’è anche una sfilata di moda ecclesiastica, la “festa de noantri” a Trastevere, la confusione generale, con la polizia che manganella e i motociclisti rombanti nella notte.

per l’immagine del manifesto si ringrazia © Webphoto & Services

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Bernardino Zapponi
Sceneggiatura: Federico Fellini, Bernardino Zapponi
Fotografia: Giuseppe Maccari (Technicolor)
Aiuto operatore: Pietro Servo
Assistente operatore: Roberto Aristarco, Michele Picciaredda
Musica: Nino Rota
Direttore d’orchestra: Carlo Savina
Ideazione scenografia: Federico Fellini
Scenografia: Danilo Donati
Costumi: Danilo Donati
Aiuto scenografia: Giorgio Giovannini, Ferdinando Giovannoni
Arredamento: Andrea Fantacci
Assistente costumista: Romano Massara, Rita Giacchero
Montaggio: Ruggero Mastroianni
Assistente al montaggio: Adriana Olasio, Leda Bellini
Aiuto regia: Maurizio Mein
Assistente alla regia: Paolo Pietrangeli, Tonino Antonucci
Effetti speciali: Adriano Pischiutta
Trucco: Rino Carboni
Acconciature: Amalia Paoletti
Segretario di edizione: Norma Giacchero
Mixage: Renato Caduer
Coreografia: Gino Landi
Affreschi e ritratti: Rinaldo Geleng, Antonello Geleng, Giuliano Geleng
Organizzazione generale: Danilo Marciani
Direttore di produzione: Lamberto Pippia
Ispettore di produzione: Alessandro Gori, Fernando Rossi, Alessandro Sarti

Cast
Marcello Mastroianni : intervistato
Anna Magnani : intervistato
Gore Vidal : intervistato
John Francis Lane : intervistato
Alberto Sordi : intervistato
Peter Gonzales : Fellini a diciott’anni
Fiona Florence : Dolores giovane prostituta
Marne Maitland : guida alla catacombe
Britta Barnes
Pia De Doses : la principessa
Renato Giovannoli
Elisa Mainardi
Paule Riut
Paola Natale
Marcelle Ginette Bron
Mario Del Vago
Alfredo Adami
Stefano Mayore
Gudrun Mardou Khiess
Giovanni Serboli
Angela De Leo
Libero Frissi
Dante Cleri : un padre di famiglia
Mimmo Poli : un avventore
Galliano Sbarra : presentatore avanspettacolo
Alvaro Vitali : si esibisce al teatro Jovinelli
Norma Giacchero : intervistatrice di Mastroianni
Federico Fellini : se stesso

Premi
1972
Festival de Cannes: Gran Premio della tecnica al film

1973
Premio della critica SFCC (Le Syndicat Français de la Critique de Cinéma) per il miglior film straniero
Nomination BAFTA (British Academy of Film and Television Arts Awards) per la miglior scenografia

Curiosità
“Ma ecco che qualche cosa di misterioso, un’inconscia e invincibile suggestione, sembrò neutralizzare tutto quell’apparato di irriverente spettacolarità: la troupe, una troupe romana di cinema, ossia la miscela più inattaccabile di burbanza pretoriana e sonnolento scetticismo, che non si scompone per organica refrattarietà né davanti a miracoli né a catastrofi, al momento dell’apparizione del papa, concepita come una specie di immacolata, candida, sfavillante epifania, incorniciata dentro una grande trina di oro rilucente e contro una ruota sfolgorante che dietro la sua figura emanava bagliori di luce intensissima e raggiante, si fece via via sempre più silenziosa. Solo vocii smorzati, parole sussurrate, bisbigli. […] La figura del papa, così ieratica e irraggiungibile, così sontuosamente e disumanamente regale, agiva con la forza occulta dell’archetipo, imponendoci anche nell’artificio una specie di ipnotica, incantata soggezione. La suggestione insomma era più forte della consapevolezza che eravamo stati noi a crearla, a trasmetterla, a suscitarla”. (Federico Fellini, Un regista a Cinecittà, Mondadori, Milano, 1988, pp.100-105)

“Insomma, l’impressione riassuntiva di questa città è una: l’ignoranza. Roma è abitata da un ignorante che non vuole essere disturbato e che è il più esatto prodotto della Chiesa. Un ignorante che vuol bene alla famiglia. Questo tipo d’uomo è talmente incancrenito nella propria condizione secolare da credere che si debba e si possa vivere solo così. Un grottesco bambinone che ha la soddisfazione di essere continuamente sculacciato dal papa. […] lo sguardo basso, sonnolento, rinunciatario, non approvante; non ha curiosità, oppure non crede che la curiosità serva a qualcosa. Può darsi che questo sia il volto dell’estrema decrepitezza, di chi ha digerito tutto ed è stato a sua volta digerito, è diventato escremento, esaurimento totale di tutte le esperienze e ritorno alla terra, concime. Questa particolare atmosfera nasce dal fatto che il babbo romano, la mamma romana, hanno sempre qualcosa di baliatico, sanno di pipì, della tua pipì di quand’eri bambino. Il romano, in realtà, non fa complimenti leziosi al bambino: ‘Un vedi che bella faccia, sembra un culo’, dice”. (Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino, 1980, p. 146)

Critiche
“Davanti a questo film magmatico bisogna saper subito di non dovervi cercare solo Roma, ma forse soprattutto Fellini: il Fellini di oggi […] Le muse felliniane sono qui la memoria (la rievocazione di Roma durante la guerra) e la deformazione fantastica (il grande raccordo anulare visto come l’anticamera dell’inferno o forse addirittura come la sua bolgia più dannata). In questi episodi […] Fellini porge la misura del suo immenso talento, cioè della sua forza nell’evocare e nel rappresentare, forzando e modificando. Qui la realtà felliniana […] prende il posto della realtà, diventa la realtà […] Più si sente lo sforzo del regista nel coordinare, e più tale sforzo appare artificioso e velleitario. Meglio, allora, seguire il film, indipendentemente dalla fatica unitaria di Fellini, come una serie di quadri a sé stanti, lasciando allo spettatore il compito di sentirli unificati nel fluire di un discorso sotterraneo continuativo e coerente. Da un simile approccio il film non ci perde, anzi ci guadagna. Bisogna lasciare il film disperdersi in tanti rivoli per poi, a distanza, percepire la tensione unitaria di questo disordine (Sergio Frosali, “La Nazione”, 17 marzo 1972)

Sequenze come quelle dell’autostrada, delle case di tolleranza, del défilé ecclesiastico sono cinema allo stato puro, prorompente, esemplare. Quello stile che mescola la cronaca finta ai ricordi inventati tocca, in più momenti, la poesia: in altri s’impone con una furia barocca che si sposa, maliziosamente, con il gusto del kitsch, del deformato, dell’orrido; ed anche se, qua e là potrebbe tendere a più meditati equilibri, raggiunge sempre, egualmente, i risultati voluti. In una féerie che alterna gli incubi di Bosch, ai neri orrori di Goya, ai graffi sferzanti di Grosz. (Gian Luigi Rondi, “Il Tempo”, 19 marzo 1972)

L’infanzia romagnola, l’arrivo del provinciale alla stazione Termini, la pensione, le mangiate in trattoria, l’avanspettacolo, le case di tolleranza sono pagine di virtuosismo stilistico travolgente che ricorda Carlo Emilio Gadda. Ma anche sul versante moderno Roma riserva grosse emozioni, come l’agghiacciante sequenza del raccordo anulare e il finale con i motociclisti lanciati a piena velocità fra le rovine e gli antichi palazzi. Ha certi difetti: la casualità della struttura, la fragilità dei raccordi, qualche episodio più sfocato e caricaturale (il defilé ecclesiastico). Ma è un altro affascinante frutto dell’operosità di uno dei maggiori artisti d’oggi. (Tullio Kezich, ” Il mille film. Dieci anni al cinema 1967-1977″, volume secondo, Il Formichiere, Milano, 1977)

Amarcord

Posted on 09/22/202204/17/2024 by ernesta.ricciotti

Torna a Fellini

Amarcord

Anno: 1973
Pellicola: colore
Durata: 127 min
Produzione: F.C. Produzioni (Roma), P.E.C.F. (Paris)
Distribuzione: Dear International
Visto censura: 6369915/12/1973

Nella Rimini degli anni trenta l’adolescente Titta cresce fra educazione cattolica e retorica fascista. Suo padre, Aurelio, è un capomastro anarchico e antifascista: sulle sue spalle oltre i due figli, la moglie e l’anziano padre, piuttosto arzillo, vive anche il cognato sbruffone e perdigiorno, lo zio “Pataca”. Suo fratello Teo è invece chiuso in manicomio. La cittadina è popolata da personaggi singolari, come Volpina la ninfomane, Giudizio il matto, Biscein il fanfarone, l’avvocato dalla retorica facile, il motociclista esibizionista, il cieco che suona la fisarmonica. Titta frequenta il liceo cittadino, dove le interrogazioni si alternano agli scherzi a insegnanti e compagni. La sua vita erotico-sentimentale si divide fra l’inarrivabile Gradisca, i grossi seni della tabaccaia e i balli d’estate al Grand Hotel spiati da dietro le siepi. Con il borgo condivide il trascorrere delle stagioni, con i fuochi per festeggiare l’arrivo della primavera, e gli eventi, il passaggio della Mille Miglia e quello del transatlantico Rex, la visita del gerarca fascista e il nevone. La morte della madre e il matrimonio di Gradisca segnano la fine della sua adolescenza.

per l’immagine del manifesto si ringrazia © Webphoto & Services

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Tonino Guerra, da un’idea di Federico Fellini
Sceneggiatura: Federico Fellini, Tonino Guerra
Fotografia: Giuseppe Rotunno
Operatore: Giuseppe Maccari
Aiuto operatore: Massimo Di Venanzo, Roberto Aristarco
Musica: Nino Rot
Direttore d’orchestra: Carlo Savina
Ideazione scenografia: Federico Fellini
Scenografia: Danilo Donati
Costumi: Danilo Donati
Architetto: Giorgio Giovannini
Collaboratore alla scenografia: Antonello Geleng, Massimo Geleng
Assistente costumista: Rita Giacchero, Aldo Giuliani
Montaggio: Ruggero Mastroianni
Assistente al montaggio: Adriana Olasio
Suono: Oscar De Arcangelis
Segretario di edizione: Norma Giacchero
Aiuto regia: Maurizio Mein
Assistente alla regia: Liliana Betti, Gerald Morin, Mario Garriba
Trucco: Rino Carboni
Effetti speciali: Adriano Pischiutta
Acconciature: Amalia Paoletti
Arredamento: Andrea Fantacci
Pittore scenografo: Italo Tomassi
Produttore: Franco Cristaldi
Direttore di produzione: Lamberto Pippia
Ispettore di produzione: Alessandro Gori, Gilberto Scarpellini

Cast
Bruno Zanin : Titta
Pupella Maggio : Miranda la madre di Titta
Armando Brancia : Aurelio il padre di Titta
Stefano Proietti : Oliva il fratello di Titta
Giuseppe Lanigro : il nonno di Titta
Nandino Orfei : il “pataca” zio di Titta
Ciccio Ingrassia : Teo lo zio matto
Carla Mora : Gina la cameriera
Magali Noël : la Gradisca
Luigi Rossi : l’avvocato
Maria Antonella Beluzzi : la tabaccaia
Josiane Tanzilli : la “Volpina”
Domenico Pertica : il cieco di Cantarel
Antonino Faà di Bruno : il Conte di Lovignano
Carmela Eusepi : la figlia il Conte di Lovignano
Gennaro Ombra : Biscein
Gianfilippo Carcano : Don Balosa
Francesco Maselli : Bongioanni il professore di scienze
Dina Adorni : signorina De Leonardis la professoressa di matematica
Francesco Vona : Candela
Bruno Lenzi : Gigliozzi
Lino Patruno : Bobo
Armando Villella : Fighetta il professore di greco
Francesco Magno : il preside Zeus
Gianfranco Marrocco : il ragazzo Conte Portavo
Fausto Signoretti : il vetturino Madonna
Donatella Gambini : Aldina Cordini
Fides Stagni : la professoressa di belle arti
Fredo Pistoni : Colonia
Marcello Di Falco : il Principe
Bruno Scagnetti : Ovo
Alvaro Vitali : Naso
Ferdinando De Felice : Cicco

Premi
1974
Oscar per miglior film straniero
Nastro d’argento per miglior regia
Nastro d’argento per miglior soggetto originale
Nomination Oscar per miglior regia
Premio Bodil (Copenaghen) per il miglior film europeo
Premio NYFCC (New York Film Critics Circle) per il miglior film e per la miglior regia
Premio della critica SFCC (Le Syndicat Français de la Critique de Cinéma) per il miglior film straniero
Premio Kinema Jumpo (Tokyo) per la regia del miglior film straniero
1975
Nastro d’argento per miglior sceneggiatura originale
David di Donatello per miglior regia
Nomination Oscar per migliori soggetto e sceneggiatura originali

Curiosità
“Non è la memoria che domina i miei film. Dire che i miei film sono autobiografici è una disinvolta fregnaccia. Io la mia vita me la sono inventata. L’ho inventata apposta per lo schermo. Prima di girare il primo film non ho fatto altro che prepararmi a diventare alto e grosso abbastanza e a caricarmi di tutta l’energia necessaria per arrivare un giorno a dire ‘azione!’. Ho vissuto per scoprire e creare un regista: niente altro. E di niente altro ho memoria, pur passando per uno che vive la sua vita espressiva sui grandi magazzini della memoria. Non è vero niente. Nel senso dell’aneddoto, di autobiografico, nei miei film non c’è nulla. C’è invece la testimonianza di una certa stagione che ho vissuto. In tal senso, allora sì, che i miei film sono autobiografici: ma allo stesso modo in cui ogni libro, ogni verso di poeta, ogni colore messo su tela, è autobiografico”. (Federico Fellini in “Il film “Amarcord” di Federico Fellini, a cura di Gianfranco Angelucci e Liliana Betti, Cappelli, Bologna, 1974, p. 95)

Critiche

“Amarcord è un film da amare senza ulteriori riserve. Fellini approfitta della riconquistata serenità per tendere a un racconto quasi oggettivo. Tornando alle radici provinciali e beffarde della propria formazione, il regista di I vitelloni recupera spregiudicatamente la struttura della barzelletta, si sforza di non commuoversi e di non tirare conclusioni. Tutto il film porta la sigla di un maestro, ma alcune pagine si impongono con maggiore evidenza: un pranzo-litigio in famiglia degno di Eduardo, la gita in campagna con lo zio matto (un sublime Ciccio Ingrassia), il ballo degli studenti davanti al Grand Hotel chiuso per l’inverno, la magica apparizione notturna del transatlantico Rex: un simbolo dei miti di un’epoca stupidina, così pregnante che sarebbe piaciuto a C.G. Jung”. (Tullio Kezich”Il mille film. Dieci anni al cinema 1967-1977″, volume primo, Il Formichiere, Milano, 1977)

“In Amarcord, che in romagnolo vuol dire appunto “Mi ricordo”, Federico Fellini mostra di saper sfuggire al ricatto della nostalgia e di mettere a frutto i fantasmi del passato. Innestando nella sua vena visionaria una consapevolezza sociologica che dai tempi della Dolce vita sembrava smarrita, Fellini ci dà un capo d’opera che è insieme un magico, doloroso itinerario fra gli orti dell’adolescenza e un giudizio lucidissimo, nonostante la lente grottesca, delle vergogne che abbiamo alle spalle, delle radici meschine di cui ancor oggi si nutre la realtà dell’Italia, e la fanno goffo melodramma, tragedia buffa, ribalta di infantilismi. (Giovanni Grazzini, “Gli anni settanta in cento film”)

“Amarcord è il film più semplice, più indifeso e meno aggressivo di Fellini da parecchi anni a questa parte; ed è la ragione per cui ci piace. […] La nuova misura che il regista trova qui ha qualcosa di delicato e di modesto che finisce, tanto più che è inattesa in lui, per catturarci. Lo stregone non ricorre più a incantesimi magniloquenti, quanto a una specie di realismo magico sotterraneo, dove la magia magari ottunde un poco la realtà, però nel contempo ce la restituisce filtrata in risvolti meno appariscenti del solito, ma più sottili e profondi. (Ugo Casiraghi, “L’Unità”, Milano, 19 dicembre 1973)

“Federico Fellini ha evocato con maestria un universo di fantasmi, tirati fuori dalle tasche del tempo senza allegria né ferocia, in un’operazione mentale alla fine elegiaca. I passi più riusciti di Amarcord hanno al centro Gradisca: la sua vicenda erotica ha un tono di qualità espressionistica di alto stile, mentre la finale cerimonia nuziale all’aperto ha qualcosa di derisorio che sottolinea la vanità dei nostri impegni rituali. Alternando il mesto al sardonico, il trionfalismo delle “fogarazze” e della corsa automobilistica all’ospedale e ai funerali, Fellini ha descritto un “epos” provinciale che non traligna mai nella sguaiataggine o nel patetico. Giunto al sommo dell’arte sua, Fellini ha imparato a fermarsi a tempo servendosi di un montaggio severo e implacabile (Morando Morandini, “Il Giorno”, Milano, 19 dicembre 1973)

Block-notes di un regista

Posted on 07/28/202204/03/2023 by ernesta.ricciotti

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Block-notes di un regista – Fellini: A Director’s Notebook

Anno: 1969
Pellicola: colore
Durata: 60 min
Produzione: N.B.C.
Visto censura: non richiesto

Finto documentario che segue Fellini dalle rovine del set per Il viaggio di G. Mastorna fino ai sopralluoghi per reperire tracce di antichità e ai provini per il Satyricon.

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Sceneggiatura: Federico Fellini, Bernardino Zapponi
Fotografia: Pasquale De Santis
Musica: Nino Rota
Montaggio: Ruggero Mastroianni
Assistente al montaggio: Adriana Olasio
Produttore: Peter Goldfarb
Organizzazione generale: Lamberto Pippia
Segretario di edizione: Norma Giacchero
Aiuto regia: Maurizio Mein, Liliana Betti
Series unit manager: Joseph Nash
Direttore dei dialoghi: Christopher Cruise
Dialoghi inglesi: Eugène Walter

Cast
Federico Fellini
Giulietta Masina
Marcello Mastroianni
Caterina Boratto
Marina Boratto
David Maumsell
prof. Genius
Cesarino
Bernardino Zapponi
Lina Alberti

Curiosità
Le cose piccole e di scarso impegno l’hanno sempre trovato subito consenziente. Quel filmetto sarebbe stato un documento estroso del passaggio fra il Mastorna e il futuro Satyricon; una svelta serie di appunti, chiacchere, fantasie; una simpatica “cacatina”, come Federico la definiva. La sceneggiatura fu presto fatta. L’inizio del film avrebbe mostrato i grandi avanzi scenografici del Mastorna; come relitti di un naufragio, già insaporiti dal tempo; vi crescevano dentro canne e ortiche; ormai erano diventati veri ruderi romani. Lì (inventammo) viveva un gruppo di hippies sbandati, che doveva accentuare l’atmosfera demenziale; “Mastorna” era la loro città, “che ha nome Demenza”. Così scrissi una falsa poesia, attribuita a uno di quei falsi vagabondi (per anni periodicamente si fece viva qualche società degli autori o qualche Cinémathéque per chiedermi il testo originale o il nome dell’autore di quei versi, e io dovevo rivelare che si trattava di un falso nel falso). (Bernardino Zapponi, Il mio Fellini, Marsilio, Venezia, 1995, pp. 26-27)

Critiche
“Vi sono infatti nel Notebook felliniano alcune sequenze di rara bellezza – come quelle dei relitti delle costruzioni e dell’astronave del Mastorna; della ricerca, tra dei forzuti popolani, di volti di antichi romani per il Satyricon; di una visita notturna a un Colosseo misteriosamente animato di vizio e di solitudine; di una giornata del regista nei suoi uffici in cui riceve vecchie e nuove conoscenze, aspiranti a una “comparsata” nel suo prossimo film – in cui Fellini, come si è detto, non cerca affatto di oggettivare se stesso, ma, al più, di dare il proprio mondo fantastico come oggettivo. Così scopriamo […] che quel succedersi di […] esasperate visioni surreali, di sesso e di solitudine, di ironia e di tenerezza, […] è in effetti il modo, l’unico modo, con cui Fellini sa vedere la realtà, costituisce insomma un’angosciosamente necessaria urgenza deformatrice. (Lino Miccichè, “Avanti!”, 7 maggio 1969)

Toby Dammit

Posted on 07/28/202204/16/2024 by ernesta.ricciotti

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Tre passi nel delirio (episodio “Toby Dammit”)

Anno: 1968
Pellicola: colore
Durata: 37 min
Produzione: P.E.A. (Roma), Les Films Marceau (Paris), Cocinor (Paris)
Distribuzione: P.E.A. (Roma)
Visto censura: 5205124/07/1968
Gli altri episodi del film sono: Metzengerstein di Roger Vadim e William Wilson di Louis Malle.

Un giovane attore inglese, Toby Dammit, alterato da droga e alcool, arriva a Roma; sarà il protagonista del primo western cattolico. E’ subito circondato da fotografi, giornalisti, produttori e persino ecclesiastici. Tutto è pronto per celebrare l’avvenimento. Ma lui è insensibile a quanto lo circonda: feste, sfilate di moda, premiazioni. Niente lo scuote dalla sua apatia. Solo quando una misteriosa bambina gli lancia per gioco una palla, Dammit sembra reagire. Durante l’ennesimo ricevimento insulta i presenti e fugge via sull’automobile regalatagli dai produttori. Comincia una corsa sfrenata a folle velocità per il centro e la periferia di Roma: non si accorge di alcuni segnali di pericolo, e un cavo d’acciaio gli tronca di netto la testa, che rotola in un prato. La bambina la raccoglie come fosse un pallone.

per l’immagine del manifesto si ringrazia © Webphoto & Services

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: libera riduzione dal racconto “Non scommettere la testa con il diavolo” di Edgard Allan Poe
Sceneggiatura: Federico Fellini, Bernardino Zapponi
Fotografia: Giuseppe Rotunno (Technicolor-Eastmancolor)
Musica: Nino Rota
Scenografia: Pietro Tosi
Costumi: Pietro Tosi
Montaggio: Ruggero Mastroianni
Operatore: Giuseppe Maccari
Effetti speciali: Joseph Natanzon
Canzoni: “Ruby” di Mitchell Parish (parole) e Heinz Roemheld (musica)
Cantanti: Ray Charles
Arredamento: Carlo Leva
Assistente alla regia: Eschilo Tarquini, Francesco Aluigi, Liliana Betti
Assistente al montaggio: Adriana Olasio, Wanda Olasio
Direttore di produzione: Tommaso Sagone
Organizzazione generale: Enzo Provenzale
Produttore: Alberto Grimaldi, Raymond Eger

Cast
Terence Stamp : Toby Dammit
Salvo Randone : Padre Spagna
Antonia Pietrosi : l’attrice
Polidor : un vecchio attore
Anne Tonietti : commentatrice televisiva
Fabrizio Angeli : primo regista
Ernesto Colli : il secondo regista
Aleardo Ward : primo intervistatore
Paul Cooper : il secondo intervistatore
Marisa Traversi : partecipanti alla festa
Rick Boyd : partecipanti alla festa
Mimmo Poli : partecipanti alla festa
Marina Yaru : la bambina
Brigitte : la ragazza alta due metri

Critiche
“Debole come soggetto cinematografico, quasi ridotto a non avere più sostanza, Toby Dammit si riempie dei ricordi, delle nostalgie, dei miraggi cari a Fellini, con le sue attrici fuori della realtà, e il suo Polidor ormai semispento, maschera di stoffa. E’ un film che mira tutto alla tecnica e al suo superamento. Le nebbie e i chiarori di Otto e mezzo, i colori di Giulietta, qui fanno posto a un problema di luci, magistralmente giocato dalla fotografia di Rotunno: proiettori, lampadine, fari di auto. La tecnica, l’arredo, l’illuminazione prendono il sopravvento. V’è un esibizionismo formale, un virtuosismo tecnico, che a momenti è fine a se stesso”. (Mario Verdone, “Bianco e Nero”, a. XXIX, n. 11-12, novembre-dicembre 1968)

“Fellini riguarda con l’occhio dei suoi personaggi, ora è un prete, ora uno sceneggiatore cattolico, ora un cronista crudele (e gratuito) come quando satireggia Totò, cieco, barcollante attore comico, al braccio di una enorme attrice biondo-eccentrica. La Roma di Fellini-Poe accoglie tutto questo come in un fumo di vapori, sembra sognata, presa da un lontano incubo, irreale anche se carica di spunti verosimili”. (Edoardo Bruno, “Filmcritica”, a. XIX, n. 193, dicembre 1968)

8½

Posted on 04/13/202204/12/2023 by admin_fellini

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8½

Anno: 1963
Pellicola: bianco e nero
Durata: 114 min
Produzione: Cineriz (Roma) e Francinex (Paris)
Distribuzione: Francinex (Paris)
Visto censura: 3946106/02/1963

Guido Anselmi è un famoso regista alla ricerca di riposo e di un po’ di evasione in una rinomata stazione termale. Realtà e immaginazione si mescolano nella sua mente, e il luogo che dovrebbe dargli cura e distensione si popola dei personaggi che fanno parte della sua vita. L’arrivo dell’amante Carla, poi di Luisa, la moglie, e dell’attrice Claudia, mitico simbolo di puri sentimenti, e contemporaneamente i colloqui con il produttore, i tecnici, con gli abituali frequentatori delle Terme, veri o irreali che siano, aumentano la confusione di Guido e fanno venire a galla i ricordi più lontani della sua vita: il collegio, i suoi genitori, che poi incontrerà, ormai morti da tempo, in un cimitero. Ma la crisi di Guido non accenna a risolversi. Quando ormai sta abbandonando definitivamente il progetto del nuovo film, sul set dimesso appaiono di nuovo i personaggi della sua vita: Guido in mezzo a loro con il megafono impartisce ordini, e tutti obbediscono in armonia e si danno la mano, formando una catena che sfila gioiosa sulle note della marcetta dei gladiatori.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini, Ennio Flaiano (ideato da Federico Fellini)

Sceneggiatura: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Brunello Rondi

Fotografia: Gianni Di Venanzo

Operatore: Pasquale De Santis

Musica: Nino Rota

Scenografia: Piero Gherardi

Costumi: Piero Gherardi

Aiuto scenografia: Luciano Riccieri, Vito Anzalone, Orietta Nasalli Rocca

Montaggio: Leo Catozzo

Aiuto regia: Guidarino Guidi, Giulio Paradisi, Francesco Aluigi

Collaborazione artistica: Brunello Rondi

Trucco: Otello Fava

Acconciature: Renata Magnanti

Fotografo di scena: Tazio Secchiaroli

Segretario di edizione: Mirella Comacchio

Produttore: Federico Fellini, Angelo Rizzoli

Direttore di produzione: Nello Meniconi

Organizzazione generale: Clemente Fracassi, Sandy von Norman

Ispettore di produzione: Mario Basili

Segretario di produzione: Albino Morandin

Cast

Marcello Mastroianni : Guido Ansemi

Anouk Aimée : Luisa la moglie di Guido

Sandra Milo : Carla

Claudia Cardinale : Claudia

Rossella Falk : Rossella

Barbara Steele : Gloria

Guido Alberti : Pace il produttore

Madeleine Lebeau : l’attrice francese

Jean Rougeul : l’intellettuale

Caterina Boratto : la signora delle terme

Annibale Ninchi : il padre di Guido

Giuditta Rissone : la madre di Guido

Edra Gale : la Saraghina

Mario Conocchia : direttore di produzione

Cesare Miceli Picardi : ispettore di produzione

Tito Masini : il cardinale

Mario Pisu : Mezzabotta

Jacqueline Bonbon : Yvonne la soubrette

Jan Dallas : Maurice il telepata

Georgia Simmons : la nonna di Guido

Edy Vessel : Edy indossatrice

Annie Gorassini : l’amica di Pace

Rossella Como : amica di Luisa

Gilda Dahlberg : la moglie del giornalista americano

Olimpia Cavalli : Olimpia

Hazel Rogers : la negretta

Bruno Agostini : segretario di produzione

Elisabetta Catalano : sorella di Luisa

Sebastiano De Leandro : un prete

Frazie Rippy : il segretario laico del cardinale

Roberta Valli : bambina

Eva Gioia : la ragazza dell’ispettore di produzione

Dina De Santis : la ragazza dell’ispettore di produzione

Roby Nicolosi : un medico delle terme

Polidor : un clown

Premi

1963

Oscar per miglior film straniero, migliori costumi in bianco e nero

Nastro d’argento per miglior regia

Nastro d’argento per miglior produzione

Nastro d’argento per miglior attrice non protagonista

1964

Nastro d’argento per miglior soggetto originale

Nastro d’argento per miglior sceneggiatura

Nastro d’argento per miglior fotografia in bianco e nero

Nastro d’argento per miglior musica

Gran premio al Festival di Mosca

Nomination Oscar per miglior soggetto e sceneggiatura originali

Premio Bodil (Copenaghen) per il miglior film europeo

Nomination Direcors Guild of America (Los Angeles) per gli straordinari risultati ottenuti da Federico Fellini nella regia cinematografica

Curiosità

“Ma di profilo Marcello aveva la pappagorgia, allora gli piazzai un cerotto che gliela spostava tutta da una parte e lui stette così buono a recitare una scena piuttosto lunga e ripresa da vicino – è la scena col padre al cimitero. […] Al trucco gli avevo fatto preparare dei sacchetti con della sabbia dentro per fare le palpebre grinzose, gli ho fatto perdere dieci chili, fare tutte le mèches bianche ai capelli e poi tutti quei profili col cerotto e lui lasciava fare. Poi, le mani: gli avevo fatto fabbricare dei cappuccetti per allungare le dita, lui li aveva lasciati preparare, senonché dopo un paio di ciak andati bene, per una scena in cui doveva muovere le dita, i cappuccetti sono saltati via come matite”. (Rita Cirio, Il mestiere di regista, Garzanti, Milano, 1994)

Critiche

“Otto e mezzo conferma pienamente, se ce n’era bisogno, Federico Fellini nella sua grandezza di mago dell’immagine cinematografica. Lo spettatore rimane sbalordito dall’inesauribile e torrenziale cascata di immagini in cui, al tocco fatato del regista, ogni momento del film si tramuta. Non c’è sentimento, realtà, persona, parola che egli non sappia rendere immagine. Potere immaginifico talmente sovrano da dare l’impressione di creare in immagini con la più sciolta e spontanea naturalezza, e quindi con fresca sincerità (Luigi Bini, “Letture”, a. XVIII, n. 4, Aprile 1963)

“Il personaggio di Fellini è un erotomane, un sadico, un masochista, un mitomane, un pauroso della vita, un nostalgico del seno materno, un buffone, un mistificatore e un imbroglione. Per qualche aspetto rassomiglia un poco a Leopold Bloom, l’eroe dell’Ulysses di Joyce che Fellini mostra in più punti di aver letto e meditato. Il film è tutto introverso, ossia, in sostanza, è un monologo interiore alternato a radi squarci di realtà. La nevrosi dell’impotenza è illustrata da Fellini con una precisione clinica impressionante e, forse, talvolta persino involontaria. […] I sogni di Fellini sono sempre sorprendenti e, in senso figurativo, originali; mai nei ricordi traluce un sentimento più delicato e più profondo. Per questo i due episodi dell’infanzia nella rustica casa romagnola e della fanciullezza con il primo incontro con la donna sulla spiaggia di Rimini, sono i più belli del film e tra i più belli di tutta l’opera di Fellini (Alberto Moravia, “L’Espresso”, 17 febbraio 1963)

“Questo film è una tappa avanzata nella storia della forma romanzesca. Già La dolce vita, con la sua struttura a blocchi, indicava una strada significativa sia nel cinema sia nella letteratura. Otto e mezzo, invece, non soltanto si lascia dietro di un mucchio d’anni quasi tutto il cinema che si fa correntemente, casca per di più sopra la nostra narrativa nel momento più sensibile della frizione tra convenzione e avanguardia, e le può dare una bella botta in direzione dello sperimentalismo, cioè del futuro, per quello che riguarda tra l’altro i problemi dell’essere, dello scrivere, del rapporto con la realtà”.(Alberto Arbasino,

“Il Giorno”, 6 marzo 1963)

Le notti di Cabiria

Posted on 04/13/202204/16/2024 by admin_fellini

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Le notti di Cabiria

Anno: 1957
Pellicola: bianco e nero
Durata: 110 min
Produzione: Dino De Laurentiis (Roma), Les Films Marceau (Paris)
Distribuzione: Paramount
Visto censura: 2374215/03/1957

Innocente e indifesa, Cabiria è una prostituta dall’esistenza infelice: ha rischiato di essere uccisa da un amico per i suoi soldi, un celebre attore si fa beffe di lei e persino le sue compagne di strada si divertono alle sue spalle. Sconfortata, si reca al santuario del Divino Amore e, presa dall’enfasi di una cerimonia religiosa, prega anch’essa, che un miracolo le faccia cambiare vita. E il miracolo sembra avverarsi: dopo che un illusionista le ha predetto un futuro roseo, Cabiria incontra Oscar, che le dichiara il suo amore; lei lo ricambia affidandogli i suoi risparmi. Ma Oscar è interessato solo a questi, e tenta addirittura di ucciderla. Cabiria riesce ancora una volta a scamparla, e si rende conto che è la sua ingenuità a complicarle la vita. Disperata, vaga in un bosco, di notte, dove incontra un gruppo di giovani allegri e felici. E Cabiria ritrova il sorriso, smette di piangere, pronta a riprendere la sua strada.

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli (da un’idea di Federico Fellini)
Sceneggiatura: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli
Collaborazione ai dialoghi: Pier Paolo Pasolini
Consulente artistico: Brunello Rondi
Fotografia: Aldo Tonti
Musica: Nino Rota
Direttore d’orchestra: Franco Ferrara
Scenografia: Piero Gherardi
Costumi: Piero Gherardi
Montaggio: Leo Catozzo
Assistente al montaggio: Adriana Olasio
Suono: Roy Mangano
Aiuto regia: Moraldo Rossi, Dominique Delouche
Segretario di produzione: Narciso Vicario
Trucco: Eligio Trani
Direttore di produzione: Luigi De Laurentiis

Cast
Giulietta Masina : Cabiria
Amedeo Nazzari : Alberto Lazzari
François Périer : Oscar D’Onofrio
Franca Marzi : Wanda
Ennio Girolami : un “magnaccia”
Dorian Gray : Jessy
Aldo Silvani : l’illusionista
Mario Passante : lo zoppo
Pina Gualandi : Matilda Polidor : il frate
Christian Tassou : Luccicotto
Maria Luisa Rolando : amica di Cabiria
Amedeo Girard : Davide, il maggiordomo di Lazzari
Loretta Capitoli : una prostituta
Franco Balducci : ipnotizzato dall’illusionista
Ciccio Barbi : ipnotizzato dall’illusionista
Nino Milano : ipnotizzato dall’illusionista
Leo Catozzo : l’uomo col sacco

Premi
1957
Oscar per miglior film straniero
Nastro d’argento per miglior regia
Nastro d’argento per miglior attrice
David di Donatello per miglior regia
David di Donatello per miglior produttore
Festival de Cannes: miglior attrice
Premio OCIC – Menzione speciale

Curiosità
“La censura aveva proibito il film e io non volevo che bruciassero i negativi. Così, seguendo il consiglio di un amico gesuita intelligente e forse un po’ spregiudicato, padre Arpa, andai a Genova da un cardinale famoso, considerato uno dei papabili e forse anche per questo assai potente, per chiedergli di vedere il film. In una minuscola saletta di proiezione situata proprio dietro il porto, aveva fatto mettere, al centro, una poltrona comprata il giorno prima da un antiquario, una specie di trono con un gran cuscino rosso e le frange dorate. Il cardinale arrivò a mezzanotte e mezza sulla sua Mercedes nera. A me non fu concesso di restare nella sala e non so se l’alto prelato vide davvero tutto il film o se dormì; probabilmente padre Arpa lo svegliava nei momenti giusti, quando c’erano processioni o immagini sacre. Fatto sta che alla fine disse: ‘Povera Cabiria, dobbiamo fare qualcosa per lei!’. E penso che gli sia bastata una semplice telefonata. Qualcuno mi accusò pubblicamente di essere una specie di Richelieu, che invece di combattere alla luce del sole, tramavo dietro le quinte; per fortuna allora c’era la possibilità di perdere tempo in polemiche di questo genere. Ma insomma, il film fu salvato. A una stranissima condizione, però, posta dal cardinale: che fosse tagliata la sequenza dell’uomo col sacco. […] L’episodio mi era stato ispirato da uno straordinario personaggio col quale avevo passato due o tre notti in giro per Roma: una specie di filantropo, un po’ mago, che in seguito a una visione s’era dedicato a una particolare missione: raggiungeva i diseredati nei punti più strani della città e distribuiva a tutti cibi e indumenti che teneva in un sacco. Questo ogni giorno. Con lui ho visto cose da fiaba. Sollevando la grata di certi tombini dove immaginavi ci fossero solo fango e topi, trovavi una vecchina che dormiva. Nei corridoi di un sontuoso palazzo di via del Corso, dove adesso c’è il Partito socialista, c’erano dei vagabondi che dormivano fino alle cinque della mattina, fatti entrare di nascosto dal guardiano di notte. L’uomo del sacco conosceva tutti questi posti: a uno faceva una iniezione, all’altro dava da mangiare. Nel film immaginai che Cabiria lo incontrasse sull’Appia Antica, mentre tornava a casa alle prime luci dell’alba brontolando perché un cliente mascalzone non l’aveva pagata. Vedeva l’uomo del sacco scendere da una macchinetta e avviarsi verso le cave di tufo, fermarsi sul ciglio di una specie di grande voragine e chiamare per nome una donna; da un lurido anfratto usciva allora una vecchia puttana che Cabiria conosceva come la Bomba Atomica, ridotta ormai a condurre una vita da topa. Poi Cabiria accettava di tornare a casa sulla macchinetta dell’uomo del sacco e restava molto colpita dai suoi racconti. Era una sequenzina molto commovente, ma che fui costretto a togliere; evidentemente in certi ambienti cattolici dava fastidio che nel film ci fosse quell’omaggio a una filantropa del tutto anomala, affrancata da mediazioni ecclesiastiche. E non è ridicolo che il sindaco di Roma, quando uscì Cabiria, protestasse perché avevo messo le puttane in un luogo – la Passeggiata Archeologica – che lui s’era tanto adoperato a render degno della capitale?” (Federico Fellini, Intervista sul cinema, a cura di Giovanni Grazzini, Laterza, Roma-Bari, 1983, pp. 102-103)

Critiche

Le notti di Cabiria per il suo composto equilibrio, frutto di un sicuro senso del personaggio e di un possesso ormai scaltrito del mezzo tecnico, rappresenta l’opera più matura e risolta del regista, sostanziata com’è di trasparenze poetiche e di un sicuro gusto spettacolare. Rari i momenti discutibili del film. (Lino Del Fra,”Bianco e Nero”, a. XVIII, n. 6, giugno 1957)

Il poetico, lunare personaggio [Cabiria] non poteva essere espresso che dal cinematografo, ma nel medesimo tempo da un regista come Fellini, perché solo un artista poteva evitare, come qui è avvenuto, il duplice pericolo del poeticismo, che avrebbe falsato il personaggio, e quello della realtà triviale, che l’avrebbe reso insopportabile. (Pietro Bianchi, “Il Giorno”, 12 maggio 1957)

Non ci sembra esatto accusare il film di frammentarietà; è, forse, l’impressione più immediata ma non bisogna credervi. Nonostante la sua struttura episodica l’arco narrativo è rigoroso e armonico, paragonabile a una sinfonia in cui i diversi tempi (gli episodi) si allacciano l’uno all’altro, distaccati ma complementari, per analogia o per contrasto, tutti convergenti alla definizione sempre più approfondita del personaggio principale e del suo destino. (Morando Morandini, “La Notte”, 10 ottobre 1957)

La strada

Posted on 04/13/202204/16/2024 by admin_fellini

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La strada

Anno: 1954
Pellicola: bianco e nero
Durata: 94 min
Produzione: Dino De Laurentiis, Carlo Ponti
Distribuzione: Paramount
Visto censura: 1731118/09/1954

Uomo di natura violenta, Zampanò si esibisce nelle piazze e nelle fiere di paese come mangiatore di fuoco. Da una povera contadina carica di figli compra per diecimila lire Gelsomina, una ragazza ingenua e ignorante, per usarla come spalla nei suoi spettacoli. Diventata a forza la sua amante, Gelsomina, creatura sensibile, tenta invano di fuggire da lui che la maltratta continuamente. Finiti in un circo, Gelsomina conosce il Matto, strana figura di equilibrista girovago mite e gentile che non perde occasione per deridere e umiliare Zampanò. Questi, in un litigio, involontariamente lo uccide. La tragedia fa uscire del tutto di senno Gelsomina, turbata giorno e notte dal ricordo del Matto. Zampanò allora l’abbandona, continuando la sua vita di vagabondo e temendo di essere scoperto e arrestato. Alcuni anni dopo scopre per caso che Gelsomina è morta, e improvvisamente prende coscienza della sua solitudine: abbandonato da tutti piange su una spiaggia deserta.

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Tullio Pinelli
Sceneggiatura: Federico Fellini, Tullio Pinelli
Collaborazione alla sceneggiatura: Ennio Flaiano
Dialoghi: Ennio Flaiano
Fotografia: Otello Martelli
Operatore: Roberto Girardi
Musica: Nino Rota
Direttore d’orchestra: Franco Ferrara
Scenografia: Mario Ravasco
Costumi: Margherita Marinari Bomarzi
Montaggio: Leo Catozzo
Assistente al montaggio: Lina Caterini
Suono: Aldo Calpini
Aiuto regia: Moraldo Rossi
Collaborazione artistica: Brunello Rondi
Assistente alla regia: Paolo Nuzzi
Trucco: Eligio Trani
Segretario di edizione: Narciso Vicari
Fotografo di scena: A. Piatti
Direttore di produzione: Luigi Giacosi
Organizzazione generale: Danilo Fallani, Giorgio Morra, Angelo Cittadini

Cast
Giulietta Masina : Gelsomina Di Costanzo
Anthony Quinn : Zampanò
Richard Baserhart : il matto
Aldo Silvani : Il Sig. Giraffa
Marcella Rovere : la vedova
Livia Venturini : la suora
Mario Passante : l’oste
Yami Kamedeva : la prostituta
Anna Primula : la mamma di Gelsomina

Premi
1954
Oscar per miglior film straniero
Nastro d’argento per miglior regia
1956
Nastro d’argento per miglior produzione
Leone d’argento alla Mostra di Venezia
Nomination Oscar per miglior sceneggiatura originale
Premio Bodil (Copenaghen) per il miglior film europeo

Curiosità
“Credo che il film l’ho fatto perché mi sono innamorato di quella bambina-vecchina un po’ matta e un po’ santa, di quell’arruffato, buffo, sgraziato e tenerissimo clown che ho chiamato Gelsomina e che ancora oggi riesce a farmi ingobbire di malinconia quando sento il motivo della sua tromba”.
(Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino, 1980, p. 60)

Critiche
La strada inizia come una sorta di farsa stridente e nostalgica (su un motivo musicale di Nino Rota preso a prestito al primo movimento della sinfonia Il titano di Mahler) per scivolare poco alla volta verso una tragedia quasi scespiriana. Più che a Charlot, al quale è stata frettolosamente paragonata, Gelsomina, creatura lunare interpretata con grazia un po’ maldestra dalla moglie del regista Giulietta Masina, fa pensare ad Harpo Marx. Fa parte di quella famiglia di “clown bianchi” cari a Fellini, con Zampanò che è un crudele Augusto, e con un Matto filosofo che deve dare alla favola la sua morale: “Tutto serve a qualcosa, nell’universo. Anche un sassolino”. Fellini ha dato opere più importanti, ma non ha ritrovato la purezza di questo sogno infantile” (Claude Beylie,” I capolavori del cinema”, Garzanti, Milano, 1990)

Zampanò è uno dei più poderosi, corposi e drammatici personaggi del cinema contemporaneo; e lo stile del film tra i più puri e più lucidi del neorealismo (si rammenti la levità, l’intensità, l’immediato calore dei personaggi e l’immediata definizione di essi nella sequenza del pranzo nuziale e della escursione di Gelsomina nella grande casa campestre, fino allo scoprimento del bambino malato). E penso peraltro sia ingiusto dire che Fellini ha costruito un film di evasione dalla realtà. Si potrà se mai discutere la natura dell’uomo Fellini, quella sua ben reale inclinazione alla creatura eccezionalmente “innocente”, nel senso dostojewskiano.(Vittorio Bonicelli, “Il Tempo”, 7 ottobre 1954)

La strada è un’opera che presuppone dal suo autore, oltre alla genialità d’espressione, una perfetta conoscenza di certi problemi spirituali ed una riflessione su di essi. Questo film, infatti, tratta del sacro, non dico del religioso né della religione. Parlo di quel bisogno primitivo e specifico all’uomo che ci spinge ad andare oltre, all’attività metafisica, sia sotto forma religiosa che sotto quella artistica, bisogno fondamentale come quello della “durata”. Sembra che Federico Fellini sappia perfettamente che questo istinto è all’origine sia delle religioni che dell’arte. Ce lo mostra allo stato puro in Gelsomina. Ricordiamoci di una delle prime immagini del film. Gelsomina ha due volti, uno triste e uno gioioso, quello gioioso si volge verso il mare in un sorriso di soddisfazione solitaria e irreprensibile. “A me piace fare l’artista!”, dichiara poco dopo. (Dominique Aubier, “Cahiers du Cinéma”, n. 49, juillet 1955)

La dolce vita

Posted on 04/13/202204/16/2024 by admin_fellini

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La dolce vita

Anno: 1960
Pellicola: bianco e nero
Durata: 178 min
Produzione: Riama Film (Roma), Pathé Consortium Cinéma (Paris)
Distribuzione: Cineriz
Visto censura: 3107021/01/1960

Giornalista di un rotocalco scandalistico, Marcello spera di poter diventare un giorno scrittore serio. Nel frattempo si trova completamente immerso nella “dolce vita” romana, tra avventure sentimentali con un’aristocratica sempre alla ricerca di emozioni nuove, il tentato suicidio di Emma – la compagna che lo opprime con la sua gelosia – e il vano corteggiare Sylvia, celebre ed esplosiva diva dello schermo che si esibisce in un sensuale bagno nella Fontana di Trevi. Poi, la falsa visione della Madonna inventata da due bambini e l’incontro con un raffinato intellettuale, Steiner: Marcello ammira la sua famiglia e quella che crede un’esistenza ideale. Ma Steiner si toglie la vita, dopo aver ucciso i figlioletti. Le vicende esistenziali di Marcello si susseguono senza sosta: il malore del vecchio padre che è venuto a trovarlo, l’abbandono di Emma. Dopo l’ennesima orgia notturna, all’alba gli stanchi e stralunati partecipanti trovano la carcassa di un mostro marino arenatosi sulla spiaggia.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Soggetto: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano (da un’idea di Federico Fellini)

Sceneggiatura: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli

Collaborazione alla sceneggiatura: Brunello Rondi

Fotografia: Otello Martelli (Totalscope)

Operatore: Arturo Zavattini

Aiuto operatore: Ennio Guarnieri

Musica: Nino Rota

Direttore d’orchestra: Franco Ferrara

Cantanti: I “Campanino” e Adriano Celentano

Scenografia: Piero Gherardi

Costumi: Piero Gherardi

Aiuto scenografia: Giorgio Giovannini, Lucia Mirisola, Vito Anzalone

Trucco: Otello Fava

Montaggio: Leo Catozzo

Assistente al montaggio: Adriana Olasio, Wanda Olasio

Aiuto regia: Guidarino Guidi, Paolo Nuzzi, Dominique Delouche

Assistente alla regia: Giancarlo Romani, Gianfranco Mingozzi, Lilli Veenman

Collaborazione artistica: Brunello Rondi

Suono: Agostino Moretti

Acconciature: Renata Magnanti

Produttore: Giuseppe Amato, Angelo Rizzoli

Organizzazione generale: Clemente Fracassi

Produttore esecutivo: Franco Magli

Segretario di edizione: Isa Mari

Direttore di produzione: Manlio M. Moretti, Nello Meniconi

Ispettore di produzione: Alessandro von Normann

Segretario di produzione: Mario Basile, Mario De Biase, Osvaldo De Micheli

Cast

Marcello Mastroianni : Marcello Rubini

Walter Santesso : paparazzo

Giulio Paradisi : 2° fotografo

Enzo Cerusico : 3° fotografo

Enzo Doria : 4° fotografo

Anouk Aimée : Maddalena

Cesare Miceli Picardi : signore irritato nel dancing

Donatella Esparmer : signora con signore irritato

Maria Pia Serafini : 2° signora con signore irritato

Adriana Moneta : prostituta

Anna Maria Salerno : 2° prostituta

Oscar Ghiglia : 1° sfruttatore

Gino Marturano : 2° sfruttatore

Yvonne Fourneaux : Emma

Thomas Torres : giornalista ospedale

Carlo Mariotti : infermiere

Leonardo Botta : medico

Anita Ekberg : Sylvia

Carlo Di Maggio : Totò Scalise produttore

Francesco Luzi : il radiocronista

Francesco Consalvo : assistente di Scalise

Guglielmo Leoncini : il segretario di Scalise

Sandy von Norman : interprete conferenza stampa

Lex Barker : Robert

Tiziano Cortini : operatore cinegiornale

Maurizio Guelfi : giornalista conferenza stampa

Adriano Celentano : cantante rock’n’roll

Gondrano Trucchi : cameriere Caracallas

Giò Staiano : giovane effeminato

Archie Savage : ballerino negro

Alan Dijon : Frankie Stout

Paolo Labia : cameriere casa Maddalena

Giacomo Gabrielli : il padre di Maddalena

Alain Cuny : Steiner

Valeria Ciangottini : Paola

Alfredo Rizzo : regista TV

Alex Messoyedoff : il prete del miracolo

Rina Franchetti : la madre dei miracolati bugiardi

Aurelio Nardi : lo zio dei miracolati bugiardi

Marianna Leibl : madre che chiede il miracolo

Giovanna : bambino miracolato

Massimo : bambino miracolato

Reneé Longarini : la signora Steiner

Iris Tree : invitata casa Steiner

Leonida Rapaci : invitato casa Steiner

Anna Salvatore : invitata casa Steiner

Letizia Spadini : invitata casa Steiner

Margherita Russo : invitata casa Steiner

Winie Vagliani : invitata casa Steiner

Desmond O’Grady : invitato casa Steiner

Nello Meniconi : litigante via Veneto

Massimo Busetti : pettegolo via Veneto

Annibale Ninchi : il padre di Marcello

Vittorio Manfrino : direttore tabarin

Polidor : clown tabarin

Magali Noël : Fanny

Lilly Granado : Lucy

Gloria Jones : Gloria

Nico Otzak : ragazza sofisticata via Veneto

Principe Vadim Wolkonsky : Principe Mascalchi

Giulio Questi : Don Giulio Mascalchi

Ida Galli : la debuttante dell’anno

Mario De Grenet : il ragazzo stanco con i cani

Franco Rossellini : il bel cavallerizzo

Maria Marigliano : Massimilla

Loretta Ramaciotti : l’invasata alla seduta

Giuseppe Addobbati : dottore

Paolo Fadda : vice commissario

Vando Tres : commissario di zona

Franco Giacobini : giornalista che telefona

Giuliana Lojodice : cameriera casa Steiner

Federika André : inquilina casa Steiner

Giancarlo Romani : carabiniere

Nadia Gray : Nadia

Mino Doro : amante di Nadia

Antonio Jaconi : “travesti”

Carlo Musto : “2° travesti”

Tito Buzzo : il bruto muscoloso

Sandra Lee : la ballerina di Spoleto

Jacques Sernas : il divo

Leontine von Strein : l’amante divo

Leo Coleman : il ballerino negro

Laura Betti : l’attrice-cantante bionda, Laura

Daniela Calvino : Daniela

Christine Denise : la signora che mangia il pollo

Riccardo Garrone : Riccardo il padrone di casa

Decimo Cristiani : spettatore dello spogliarello

Umberto Orsini : spettatore dello spogliarello di Nadia

Sandra Tesi : spettatrice dello spogliarello di Nadia

Renato Mambor : ballerino

Mario Conocchia : spettatore dello spogliarello di Nadia

Enrico Glori : ammiratore di Nadia

Lucia Vasilicò : ragazza che si confessa

Franca Pasutt : ragazza coperta di piume

Premi

1960

Nastro d’argento per miglior attore

Nastro d’argento per miglior soggetto originale

Nastro d’argento per miglior scenografia

David di Donatello per miglior regia

1961

Festival de Cannes: Palma d’oro per miglior film

Nomination Oscar per miglior regia

Nomination Oscar per miglior soggetto e sceneggiatura originali

Nomination BAFTA (British Academy of Film and Television Arts Awards) per il miglior film

Curiosità

“Avevo stabilito che il personaggio di Nadia avrebbe indossato reggiseno e mutandine bianche sotto il vestito scuro. Pensavo che il contrasto sarebbe stato sensazionale e molto sexy, ma Nadia Gray, l’attrice, rifiutò. Mi disse che nessuna donna che sapeva qualcosa di vestiti avrebbe mai pensato di indossare reggiseno e mutandine bianchi sotto un abito scuro. Si sarebbero intravisti. E lei non si sarebbe sentita a suo agio nel togliersi un abito scuro rivelando una biancheria intima bianca. Disse che non poteva farlo. Era una cosa assolutamente contraria al personaggio. Fu così convincente che le credetti. Mi persuase. Accettammo il reggiseno e le mutandine neri”.

(Charlotte Chandler, Io, Federico Fellini, Mondadori, Milano, 1995, pp. 160-161)

Critiche

“Crudeltà d’analisi, partecipazione di sentimenti, impeto visionario si accavallano e si confondono in questo terribile e affascinante polittico su una moderna Babilonia […] Il fatto che egli esprima i suoi giudizi e le sue condanne con una profonda partecipazione all’umanità dei suoi personaggi – anche dei più abbietti – e che, cioè, mettendosi al loro posto scopra le loro ragioni che poi sono le proprie è un altro segno della vitalità, della forza e della pietà che il suo film possiede in alto grado”. (Morando Morandini, “Schermi”, a. III, n. 20, gennaio-febbraio 1960)

“Il film – uno dei film più terribili, più alti, e a modo suo più tragici che ci sia accaduto di vedere su uno schermo – è la sagra di tutte le falsità, le mistificazioni, le corruzioni della nostra epoca, è il ritratto funebre di una società in apparenza ancora giovane e sana che, come nei dipinti medioevali, balla con la Morte e non la vede, è la “commedia umana” di una crisi che, come nei disegni di Goya o nei racconti di Kafka, sta mutando gli uomini in “mostri” senza che gli uomini facciano in tempo ad accorgersene […] Polemica, simbolo, allegoria, atto d’accusa? Niente di tutto questo. Fellini si è volutamente tenuto lontano dall’opera “a tesi”, ha evitato rigorosamente le intonazioni programmatiche, retoriche, moralistiche e ha preferito descrivere ai contemporanei i “mostri” di oggi […] E lo ha fatto con una potenza drammatica, un impeto, una novità di linguaggio che, nonostante le riserve per la debolezza di taluni episodi (quando troppo insistiti, quando troppo scoperti o sgradevoli), iscrivono certamente il suo film tra le più “moderne” opere dell’arte del cinema.” (Gian Luigi Rondi, “Il Tempo”, 5 febbraio 1960)

Il bidone

Posted on 04/13/202204/03/2023 by admin_fellini

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Il bidone

Anno: 1955
Pellicola: bianco e nero
Durata: 104 min
Produzione: Titanus (Roma), S.G.C. (Paris)
Distribuzione: Titanus
Visto censura: 1985804/10/1955

Roberto, Picasso e Augusto sono tre specialisti del “bidone”: truffano ingenui contadini a cui si presentano vestiti da preti; poi estorcono denaro a dei baraccati con la promessa di una casa; infine, vendono a sprovveduti benzinai vecchi cappotti spacciati per nuovi. Sono insieme a Capodanno, in una festa, quando Iris, moglie di Picasso, scopre la vera attività del marito. Anche la figlia di Augusto non sa quali loschi traffici compia il padre; è al cinema con lui quando una vittima di Augusto lo riconosce e lo aggredisce. Arrestato, finisce in galera. Ma appena fuori riunisce di nuovo la banda e ripete la truffa con il travestimento da cardinale. Alla vista di una ragazza paralitica, coetanea della figlia, viene preso dai rimorsi e vorrebbe restituire il maltolto. Poi ci ripensa e cerca di truffare gli altri della banda: scoppia una rissa e Augusto, cercando di fuggire, cade in un burrone spezzandosi la spina dorsale. I compari non lo soccorrono, arraffano i soldi e fuggono. Augusto muore in un’agonia lenta e atroce.

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli (da un’idea di Federico Fellini)
Sceneggiatura: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli
Fotografia: Otello Martelli
Operatore: Roberto Gerardi
Aiuto operatore: Arturo Zavattini
Musica: Nino Rota
Direttore d’orchestra: Franco Ferrara
Scenografia: Dario Cecchi
Costumi: Dario Cecchi
Montaggio: Mario Serandrei, Giuseppe Vari
Suono: Giovanni Rossi
Aiuto regia: Moraldo Rossi, Narciso Vicario
Assistente alla regia: Dominique Delouche, Paolo Nuzzi
Collaborazione artistica: Brunello Rondi
Trucco: Eligio Trani
Parrucche: Fiamma Rocchetti
Arredamento: Massimiliano Capriccioli
Fotografo di scena: G. B. Poletto
Segretario di edizione: Nada Delle Piane
Direttore di produzione: Giuseppe Colizzi
Ispettore di produzione: Antonio Negri
Segretario di produzione: Manolo Bolognini
Segretario amministrativo: Ezio Rodi

Cast
Broderick Crawford : Augusto
Richard Baserhart : Picasso
Franco Fabrizi : Roberto
Giulietta Masina : Iris, la moglie di Picasso
Giacomo Gabrielli : Baron “Vargas”
Alberto De Amicis : Rinaldo
Sue Ellen Blake : Susanna
Lorella De Luca : Patrizia, la figlia di Augusto
Mara Werlen : Maggie, la danseuse
Mario Passante : un truffatore
Irene Cefaro : Marisa
Xenia Walderi : Luciana, la compagna di Rinaldo
Maria Zanoli : Stella Fiorina, contadina truffata
Sara Simoni : seconda contadina truffata
Cristina Pall : la proprietaria del portasigarette d’oro
Tiziano Cortini : il biondo del cinema
Riccardo Garrone : Riccardo, un bidonista
Paul Grenter : bidonista
Ada Colangeli : signora Bove, bidonata case popolari
Amedeo Trilli : Luigi Fiorelli, bidonato case popolari
Ettore Bevilacqua : bidonato case popolari
Alberto Plebani : l’uomo del bidone dell’orologio

Critiche
In fondo, diciamolo chiaramente, ciò che attira in Fellini è questa sua capacità di stringere in un unico sguardo il cielo e la terra; è il suo un platonismo memore delle cose di quaggiù, incapace di scordare i legami affettuosi, le memorie, le contemplazioni, le battaglie combattute insieme, la sofferenza, non giustificata, dei buoni, dei semplici, di donne e uomini di buona volontà. E’ vero che anche nel Bidone i personaggi principali sono raffigurati dal regista con sanguigna potenza: i tre birbanti, e la fungaia dei minori colleghi, vivono con una intensità vitalistica ad alto regime, sono “fusti” che vigoreggiano per merito della serena vita dell’arte. Ma è anche vero che, all’apparenza umili larve, coloro che per colpa del “bidonisti” hanno a soffrire (la moglie di “Picasso”, la figlia di Augusto, la giovane paralitica) hanno un evidente rilievo, pur se la loro presenza nel racconto ha poco peso temporale. (Pietro Bianchi, “Maestri del cinema”, Garzanti, Milano, 1972)

Ancora una volta, se dovessimo stabilire un precedente stilistico e spirituale per Fellini, dovremmo fare il nome di Kafka. L’itinerario del vecchio “bidonista” dallo sguardo stanco rispetta l’ingranaggio kafkiano del processo e della condanna, in un mondo altrettanto crudelmente oggettivato, fa uomini stanchi e indifferenti. Non c’è da meravigliarsi che Il bidone dia fastidio ai dogmatici e sfugga alle loro definizioni”. (Tullio Kezich, “Sipario”, a. X, n. 115, novembre 1955)

Il bidone inizia in malo modo e finisce solennemente: questo miscuglio esplosivo può dar fastidio in un festival a tutti coloro che entrano nella sala impazienti di uscirne; ma io, che avevo tutto il tempo a mia disposizione, sarei rimasto volentieri delle ore a veder morire Broderick Crawford. (François Truffaut, “Cahiers du Cinéma”, n. 51, octobre 1955)

Boccaccio ’70

Posted on 04/13/202204/12/2023 by admin_fellini

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Boccaccio ’70 (episodio “Le tentazioni del dottor Antonio”)

Anno: 1962
Pellicola: colore
Durata: 60 min
Produzione: Concordia Compagnia Cinematografica e Cineriz (Roma), Francinex e Gray Films (Paris)
Distribuzione: Cineriz
Visto censura: 46452 06/02/1962

Gli altri episodi del film sono: Renzo e Luciana di Mario Monicelli, Il lavoro di Luchino Visconti, La riffa di Vittorio De Sica. Moralista inflessibile, il dottor Antonio si batte a modo suo contro il dilagare della immoralità. Improvvisa prediche a sbigottiti boy-scout, molesta le coppiette in cerca di intimità, arriva persino a strappare le copertine dei rotocalchi nelle edicole. Finché, il colmo per lui, sotto le finestre della sua abitazione viene allestito un enorme cartellone pubblicitario con l’immagine di una donna dalle forme giunoniche che invita con ammiccante sorriso a bere più latte. Il dottor Antonio tenta invano di farlo rimuovere, poi decide di imbrattarlo lanciandogli contro bottiglie d’inchiostro. Il cartellone verrà censurato dalle autorità ma un acquazzone scoprirà nuovamente le forme della tentatrice. Che finisce per ossessionare senza sosta i sogni del dottor Antonio, fino a che questi non viene ritrovato, un mattino, delirante, arrampicato sul cartellone. Mentre un’ambulanza lo porta in ospedale, Cupido occhieggia beffardo.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini

Sceneggiatura: Federico Fellini, Tullio Pinelli, con la collaborazione di Ennio Flaiano

Fotografia: Otello Martelli (Technicolor)

Operatore: Arturo Zavattini

Musica: Nino Rota

Scenografia: Piero Zuffi

Montaggio: Leo Catozzo

Produttore: Carlo Ponti

Cast

Peppino De Filippo : dott. Antonio Mazzuolo

Anita Ekberg : la donna del cartellone

Antonio Acqua : il commissario

Eleonora Nagy : Cupido

Dante Maggio : capo operaio

Donatella Della Nora : sorella del dott. Antonio

Giacomo Furia : operaio

Alfredo Rizzo : capo cantiere

Alberto Sorrentino : l’operaio attacchino

Monique Berger : la signora del bar

Polidor : operaio

Gesa Meiken : la signora questuante in chiesa

Mario Passante : il sacrestano

Achille Maieroni : l’autista di mosignore

Silvio Bagolini : un segretario di monsignore

Enrico Ribulsi : il moralista con gli occhiali scuri

Ciccio Barbi : l’ingegnere nell’auto

Giulio Paradisi : il ragazzo nell’auto

Giuliano Gemma : Ercole

Curiosità

Per parecche settimane nell’estate del 1961 Federico continua a giocare con Anita fra i modellini dell’EUR, perfettamente ricostruita dallo scenografo Piero Zuffi. Il raccontino da “Corriere dei Piccoli” è diventato una satira alla Swift, un apologo contro i filistei. Il dottor Antonio, perseguitato dall’immagine prorompente di Anita, denuncia la grottesca insicurezza dei moralisti di professione. Anitona, però, è nervosa. Non è più la vichinga spensierata di La dolce vita, è una star di fama internazionale e lo sa. Le nuove preoccupazioni hanno modificato il suo carattere, l’hanno reso difficile. Neppure Fellini riuscirebbe più a farla ballare scalza a Caracalla per notti intere o farla entrare vestita nella Fontana di Trevi. Fra tutti gli abitatori notturni dell’EUR in miniatura, Anita sembra quella che si diverte meno. Dicono che sia arrabbiata perché non sapeva di dover fare il manifesto animato, e voleva una parte vera. Sta quasi sempre nella roulotte a guardare la tv. Ma sul set, quando Fellini le mostra gli atteggiamenti da assumere passeggiando fra le casette e i lampioncini, ridiventa il simbolo dell’eterno femminino che è stata in La dolce vita.

(Tullio Kezich, Fellini, Milano, Camunia, 1987, pp. 309-310)

Critiche

“Fellini con Le tentazioni del dottor Antonio si è concesso una vacanza. Si è voluto divertire, e ha saputo divertire, toccando da buon cattolico uno degli aspetti più grotteschi di certe campagne moralizzatrici. E’ riuscito a far recitare benissimo Peppino De Filippo, a dare alla Ekberg il modo di mostrare tutte le sue risorse, e ha messo loro d’intorno una piccola folla di personaggi caratterizzati fino allo spasimo” (Giovanni Grazzini, “Corriere della Sera”, 24 febbraio 1962)

“L’autore de La dolce vita ci ha davvero stupiti, e favorevolmente. Abbandonate […] le ansie mistiche e gli angelismi, i compiacimenti morbosi e corruttori, i singoli e i singoli assoluti, le scorie decadenti e falsamente autobiografiche, Fellini si è ricondotto […] al timido e rispettoso ragioniere de Lo sceicco bianco, cioè addirittura alle origini. […] Il fiabesco e il mostruoso si alleano contro i quattro cavalieri di una moderna Apocalisse: l’ipocrisia, in primo luogo, e poi l’ottusità, l’intolleranza e la menzogna” (Lorenzo Pellizzari, “Cinema Nuovo”, a. XI, n. 157, maggio-giugno 1962)

Amore in città

Posted on 04/13/202204/03/2023 by admin_fellini

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Un amore in città (episodio “Agenzia matrimoniale”)

Anno: 1953
Pellicola: bianco e nero
Durata: 16 min
Produzione: Faro Film
Distribuzione: D.C.N.
Visto censura: 1534113/11/1953

Gli altri episodi del film sono: L’amore che si paga di Carlo Lizzani, Paradiso per quattro ore di Dino Risi, Tentato suicidio di Michelangelo Antonioni, Storia di Caterina di Francesco Maselli e Cesare Zavattini, Gli italiani si voltano di Alberto Lattuada. A un giovane giornalista viene affidata un’inchiesta sulle agenzie matrimoniali. Scettico, si finge cliente di una di queste, alla ricerca di una moglie per un suo ricco amico. E sebbene racconti che questi è malato di epilessia, costretto a vivere in campagna perché durante le notti di plenilunio si trasforma in lupo mannaro, riesce a trovare una ragazza disposta al matrimonio. Una ragazza dolce, ingenua, che mette in crisi il cinismo del protagonista.

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini
Sceneggiatura: Federico Fellini, Tullio Pinelli
Fotografia: Gianni Di Venanzo
Musica: Mario Nascimbene

Cast
Antonio Cifariello : Giornalista
Livia Venturini : Rossana
Ilario Maraschini : proprietario dell’agenzia
Angela Pierro : direttrice dell’agenzia

Curiosità
Mentre Maselli e Zavattini tentano l’impossibile ricostruzione di un fatto vero e gli altri cineasti optano per un contributo in forma di documentario, Fellini sceglie la chiave del racconto “finto vero”. Il riminese non ha mai condiviso le teorie di Zavattini sul cinema-verità, convinto com’è che bisogna inventare tutto. Secondo alcune testimonianze, Federico intraprende un’inchiesta presso l’agenzia matrimoniale Omega presentandosi con la sigla C. L. 35. Secondo altri racconta una frottola a Zavattini per farlo contento, o per divertirsi un po’ alle spalle dell’ardente teorico del neorealismo. La cosa più probabile è che niente nell’episodio Agenzia matrimoniale, scritto con Pinelli, è “preso dalla vita” nel senso zavattiniano, a cominciare dai protagonisti che sono due giovani attori di professione. Antonio Cifariello (in un inesistente gioco della verità presta il proprio nome e cognome al personaggio del giornalista) è già apparso in alcuni film ed è all’inizio di una buona carriera di attore che lo collocherà fra i volti popolari del “neorealismo rosa” […]. La ragazza Rossana è interpretata da Livia Venturini, attrice e doppiatrice che si rivedrà nella parte della suorina in La strada e in qualche altro film.
(Tullio Kezich, Fellini, Milano, Camunia, 1987, pp. 210-211)

Critiche
Dei due “racconti”, quello di Federico Fellini, Agenzia matrimoniale, è il più felice: svelto, spiritoso nell’avvio, si fa a poco a poco patetico, nella pittura di quella goffa ragazza di campagna, disposta a sposare un licantropo pur di “sistemarsi”. Il caso vuol sintetizzare quel che si nasconde, di amarezze e di miserie, dietro l’insegna: “agenzia matrimoniale”. E in un certo senso ci riesce, grazie al garbo del regista, alla sua facoltà di osservazione ambientale e psicologica; ci riesce con estro più pregnante e meno coloristico di quello sfoggiato da George Cukor nel più ampio e sotto taluni aspetti analogo Mariti su misura. (Giulio Cesare Castello, “Cinema” [nuova serie], a. VI, n. 123, 15 dicembre 1953)

I Vitelloni

Posted on 04/13/202204/16/2024 by admin_fellini

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I vitelloni

Anno: 1953
Pellicola: bianco e nero
Durata: 103 min
Produzione: Peg Film (Roma) / Cité Film (Paris)
Distribuzione: ENIC
Visto censura: 1500517/09/1953

Siamo alla fine dell’estate, in una cittadina della costa romagnola. In una festa all’aperto, Riccardo si esibisce finalmente come cantante, ma un acquazzone interrompe il tutto causando un fuggi fuggi generale. Nella confusione salta fuori che Sandra, sorella di Moraldo, aspetta un figlio: dovrà sposarsi con Fausto. Arriva l’inverno e riprende la vita monotona di provincia; gli amici di Fausto trascorrono le loro giornate tra caffè e scherzi puerili, anche se la loro età non è più verde. Sono i “vitelloni”, viziati e mantenuti dalle famiglie: Alberto, con il suo faccione da bambino, eterno buffone che si fa dare i soldi dalla sorella; Leopoldo, tutto preso da sogni di successi letterari; Riccardo, pigro e indolente, e Moraldo, il più giovane e desideroso di lasciare tutti e andare a Roma. Di ritorno dal viaggio di nozze, Fausto accetta di lavorare: farà il commesso in un negozio di arredi sacri. Ma si mette a corteggiare la moglie del proprietario e Sandra, appena lo scopre, fugge di casa con la bambina da poco nata. Fausto e Moraldo, assieme agli altri amici, si mettono alla sua ricerca; ma lei non è lontana, è in casa del suocero, che punirà a cinghiate il figlio scapestrato. I “vitelloni” ricominciano la solita vita, fra delusioni famigliari (Alberto scopre che la sorella vuole fuggire con un uomo sposato) e professionali (Leopoldo incontra un capocomico che si rivela interessato a ben altro che alle sue produzioni letterarie); solo Moraldo riesce finalmente ad andarsene. Sul treno immagina i suoi amici per i quali nulla cambia.

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Ennio Flaiano, da un’idea di Tullio Pinelli
Sceneggiatura: Federico Fellini, Ennio Flaiano
Fotografia: Otello Martelli, Luciano Trasatti, Carlo Carlini
Operatore: Roberto Girardi, Franco Villa
Musica: Nino Rota
Direttore d’orchestra: Franco Ferrara
Scenografia: Mario Chiari
Costumi: Margherita Marinari Bomarzi
Montaggio: Rolando Benedetti
Direttore di produzione: Luigi Giacosi
Ispettore di produzione: Danilo Fallani
Segretario di produzione: Ugo Benvenuti

Cast
Franco Interlenghi : Moraldo
Alberto Sordi : Alberto
Franco Fabrizi : Fausto
Leopoldo Trieste : Leopoldo
Riccardo Fellini : Riccardo
Eleonora Ruffo : Sandra
Jean Brochard : il padre di Fausto
Claude Farell : la sorella di Alberto
Carlo Romano : Michele l’antiquario
Lida Baarova : Giulia la moglie di Michele
Enrico Viarisio : il padre di Morando e Sandra
Paola Borboni : la madre di Morando e Sandra
Arlette Sauvage : la sconosciuta nel cinema
Vira Silenti : la “cinesina”
Maja Nipora : la soubrette
Achille Majeroni : il capocomico
Silvio Bagolini : l’idiota
Giovanna Galli : ballerina
Franca Gandolfi : ballerina

Premi
1953
Nastro d’argento per miglior regia
Nastro Miglior attore non protagonista
1957
Leone d’argento alla Mostra di Venezia
Nomination Oscar per miglior soggetto e sceneggiatura originali

Curiosità
“I vitelloni non voleva distribuirlo nessuno, andammo in giro a mendicare un noleggio come dei disperati. Mi ricordo certe proiezioni allucinanti. I presenti, alla fine, mi lanciavano occhiate di traverso e stringevano dolenti la mano al produttore Pegoraro in un’atmosfera di alluvione del Polesine. I nomi non me li ricordo e se mi li ricordo è meglio non farli. Mi ricordo una proiezione alle due del pomeriggio, d’estate, per il presidente di una grossa società. Venne con passo elastico, bruno, abbronzato sotto la lampada al quarzo, con la catenella d’oro al braccio, il tipo del venditore d’automobili, quello che piace alle donne. […] Non lo presero. Finì a un’altra distribuzione che non voleva il titolo I vitelloni. Ci consigliavano un altro titolo: Vagabondi! Con il punto esclamativo. Dissi che andava benissimo, però suggerivo di rafforzare l’invettiva con un vocione da orco che sulla colonna sonora tuonasse Vagabondi! Accettarono il titolo soltanto quando Pegoraro gli diede altri due film che loro consideravano sicuramente commerciali. Ma sui primi manifesti e le prime copie non vollero il nome di Alberto Sordi: fa scappare la gente, dicevano, è antipatico, il pubblico non lo sopporta”.
(Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino, 1980, p. 53-54)

Tra i protagonisti il più inafferrabile è Alberto Sordi, che Fellini ha preteso contro tutti. Nel frattempo il comico si è impegnato con Wanda Osiris nella rivista di Garinei e Giovannini Gran baraonda ed è giocoforza, per averlo sottomano, seguire lo spettacolo in varie “piazze” tra le quali Viterbo e Firenze. Nel Teatro Goldoni, chiuso per inagibilità e pieno di topi, viene girato il veglione di carnevale; e un ambiente fiorentino viene utilizzato per il negozio di arredi sacri.
(Tullio Kezich, Fellini, Milano, Camunia, 1987, p. 193)

Critiche
“I vitelloni riconferma la vena satirica più viva che oggi conti il nostro cinema; che l’atmosfera grigia della provincia (quelle strade notturne, per le quali echeggiano i canti e le battute sciocche dei vitelloni; quelle case povere, modeste o comode, in ogni caso onorate, in cui l’inutilità professionale di quei giovinastri trova rifugio ogni notte dopo l’ozioso girovagare; quel mare squallido; quei periodici sussulti di euforia artificiosa: la festa col concorso di bellezza, il veglione) ed alcune psicologie (quella del bellimbusto Fausto, quella del giullare Alberto, assai pittorescamente interpretato da Sordi, quella del “signorino” Moraldo) appaiono interpretate da un osservatore e psicologo assai acuto. Il quale, da buon moralista, sa spremere alla fine un senso dal suo racconto, che non vuol certo essere un semplice “divertissement”.
Troppi “leoni” al lido, (Giulio Cesare Castello “Cinema” (nuova serie), a. VI, n. 116, 31 agosto 1953)

“La freschezza non manca certo alla gamma di Fellini. Il suo maggiore merito è proprio quello di non badare al macchinoso, al prestabilito; ma di abbandonarsi a ciò che sente e risente, a momenti e stati d’animo apparentemente trascurabili o di secondo piano. Invece, in quei momenti è artista; e tutto rivela allora una vibrazione e un significato”. (Mario Gromo, “La Stampa”, 9 ottobre, 1953)

“Anche se non conoscessimo la sua attività passata […], basterebbero poche inquadrature per far chiaro che Federico Fellini è un umorista. Ma un umorista malinconico, ci sia o no contraddizione. Sorride, ma con amarezza. E’ chiaro che il piccolo mondo neghittoso e turbolento ch’egli descrive gli dà la stessa sgradevole impressione che dà a noi, un mondo di creature sciupate, di superflue esistenze. Lo comprende, lo studia; non direi lo schernisca; piuttosto lo commisera, ma è evidente che cerca con ironia il contrasto tra il molto presumere e lo squallido essere. (Arturo Lanocita, “Corriere della Sera”, 28 agosto 1953)

Lo Sceicco Bianco

Posted on 04/13/202204/16/2024 by admin_fellini

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Lo sceicco bianco

Anno: 1952
Pellicola: bianco e nero
Durata: 85 min
Produzione: P.D.C. – O.F.I.
Distribuzione: P.D.C.
Visto censura: 1172007/04/1952

Due sposi novelli, Ivan e Wanda, sono in viaggio di nozze a Roma per l’anno Santo. Lui, pignolo e metodico, di famiglia borghese, ha già preparato un programma per il viaggio, con annessa visita al Papa; lei, appena arrivata a Roma, lascia l’albergo per mettersi alla ricerca dello “sceicco bianco”, il protagonista di una serie di fotoromanzi di cui è appassionata lettrice, al quale ha scritto decine di lettere. Wanda riesce a trovare il suo idolo sul set approntato a Fregene, dove stanno “girando” un nuovo episodio. La ragazza decide di unirsi alla troupe. Intanto Ivan, disperato, la sta cercando per tutta la città, nascondendo a parenti e amici romani, con bugie e complicati inganni, la fuga della moglie. Sulla spiaggia di Fregene Wanda, coinvolta in sgradevoli disavventure, scopre che il suo eroe è molto diverso da come lo aveva sognato: è un pover’uomo succube della moglie. E il mondo dei fotoromanzi non è quello da lei immaginato. Delusa, tenta di uccidersi in maniera goffa gettandosi nel Tevere. Viene salvata e finalmente torna in albergo dal marito, appena in tempo per correre a San Pietro, dove li aspettano i parenti per la visita al Papa.

Cast tecnico
Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Tullio Pinelli (da un’idea di Michelangelo Antonioni)
Sceneggiatura: Federico Fellini, Tullio Pinelli con la collaborazione di Ennio Flaiano
Fotografia: Arturo Gallea
Operatore: Antonio Belviso
Musica: Nino Rota
Direttore d’orchestra: Fernando Previtali
Scenografia: Raffaello Tolfo
Montaggio: Rolando Benedetti
Aiuto regia: Stefano Ubezio
Suono: Armando Grilli, Walfredo Traversari
Trucco: Franco Titi
Fotografo di scena: Osvaldo Civirani
Segretario di edizione: Moraldo Rossi
Produttore: Luigi Rovere
Direttore di produzione: Enzo Provenzale
Segretario di produzione: Renato Panetuzzi

Cast
Alberto Sordi : Fernando Rivoli “Lo sceicco bianco”
Brunella Bovo : Wanda Giardino in Cavalli
Leopoldo Trieste : Ivan Cavalli
Giulietta Masina : Cabiria
Lilia Landi : Felga
Ernesto Almirante : il regista di fumetti
Fanny Marchiò : Marilena Vellardi
Gina Mascetti : la moglie dello “Sceicco bianco”
Enzo Maggio : il portiere d’albergo
Ugo Attanasio : lo zio di Ivan
Jole Silvani : prostituta amica di Cabiria

Curiosità
“Il primo giorno della lavorazione dello Sceicco bianco cominciò male, proprio male. Si doveva girare in esterni. Ero partito da Roma all’alba, salutando Giulietta con il batticuore di chi va a sostenere un esame. Avevo una Cinquecento e l’avevo fermata davanti a una chiesa, ero entrato addirittura a pregare. Nell’ombra mi era parso di intravvedere un catafalco, e mi ero lasciato prendere dalla superstizione che si trattasse di un cattivo presagio, ma poi il catafalco non c’era, nella chiesa non c’era nessuno, né morto né vivo. C’ero solo io, che non mi ricordavo più nemmeno una preghiera. Feci alcune vaghe promesse di ravvedimento e uscii un po’ inquieto. Sulla strada di Ostia, alla Cinquecento era scoppiata una gomma, allora quando scoppiava una gomma bisognava cambiarla con le proprie mani. Io comunque non me ne sentivo capace, così stavo lì, abbastanza disperato, pensando che ero già in ritardo per la mia prima regia. Per fortuna passò un camionista siciliano di buon umore, e fece il cambio lui. Arrivai a Fregene alle nove e tre quarti mentre l’appuntamento era per le otto e mezzo. Si erano imbarcati tutti in un barcone che era a un chilometro di distanza su un mare immenso. Mi parevano lontanissimi, irraggiungibili. Mentre un motoscafo mi portava verso di loro, il barbaglio del sole mi confondeva gli occhi. Non solo erano irraggiungibili, non li vedevo più. Mi domandavo ‘E ora cosa faccio?…’ Non ricordavo la trama del film, non ricordavo nulla, desideravo tagliare la corda e basta. Dimenticare. Poi, però, di colpo tutti i dubbi mi svanirono quando posai il piede sulla scala di corda. Mi issai sul barcone. Mi intrufolai tra la troupe. Ero curioso di vedere come sarebbe andata a finire”.
Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino, 1980, p. 51-52

Critiche

In Lo sceicco bianco l’originalità dell’espressione trova la sua concretezza in una inquietudine senza sfogo, che si riflette e si manifesta nella cattiveria con cui la macchina da presa si muove, ora per fissare impietosamente, ora per sollecitare in tono di satira, gesti fatti e azioni dei protagonisti piccolo-borghesi alle prese con la realizzazione dei loro sogni provinciali. Una piccola borghesia vista come rinuncia alla autenticità, come desiderio di inseguire con commovente impegno una folla di miti usuali e flaccidi: dalla fanfara dei bersaglieri – simbolo di una retorica patriottarda – al mondo dei fotoromanzi; dalla passeggiata in carrozza per le vie di Roma al suicidio per onore, alla sospirata udienza. (Lino Del Fra, “Bianco e Nero”, a. XVIII, n. 6, giugno 1957)
Il film non solo riconferma le possibilità registiche di Federico Fellini dopo Luci del varietà diretto in collaborazione con Lattuada, ma offre anche l’esempio di un’opera che, per essere valutata nei suoi effettivi valori, richiede un’attenta lettura e magari una rilettura. A uno sguardo superficiale, infatti, sfugge la singolarità del lavoro, proprio perché Fellini sembra muovere persone comuni in ambienti comuni mediante un’azione che diremmo quasi banale. Ma quelle persone, quegli ambienti, quelle azioni assumono significati precisi che investono, sia pure indirettamente, un giudizio e una critica. Il giudizio e la critica erano, del resto, anche alla partenza di Luci del varietà. Tuttavia, mentre in quel film Liliana alla fine vive ancora nel mondo dei fumetti (significativi, in tal senso, i giornali che chiede all’amante) e di sé non ha proprio risolto nulla, in Lo sceicco bianco Wanda, ugualmente provinciale e formatasi sui fotoromanzi, riesce a evadere dall’”amorosa menzogna” in cui era sentimentalmente irretita. La sua avventura diventa un’esperienza positiva perché la restituisce alla realtà. (Guido Aristarco, “Cinema Nuovo”, a. I, n. 1, 15 dicembre 1952)

Luci del varietà

Posted on 04/13/202204/16/2024 by admin_fellini

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Luci del varietà

Anno: 1950
Pellicola: bianco e nero
Durata: 100 min
Produzione: Capitolium Film
Distribuzione: Fincine
Visto censura: 888818/11/1950

Liliana, una bella ragazza di provincia, vuole affermarsi nel mondo dello spettacolo. Fugge di casa e si unisce ad una piccola compagnia d’avanspettacolo; il direttore, Checco, se ne invaghisce e la fa esordire immediatamente. E’ un esordio fortunato, con tanti applausi, anche perché durante un numero a Liliana scivola un gonnellino… Alcuni giorni dopo la compagnia è invitata a casa di un ricco avvocato di paese, che tenta un approccio notturno con Liliana. Interviene Checco, geloso, e scatena una baraonda al termine della quale tutti i guitti vengono cacciati via. Checco e Liliana lasciano la compagnia alla ricerca di un ingaggio favorevole: l’unica offerta viene fatta a Liliana, ma la gelosia di Checco la fa saltare. Questi, con i soldi avuti in prestito dalla sua compagna Melina, anch’essa nella vecchia compagnia, tenta di formarne una nuova con altri artisti. Ma prima dell’esordio Liliana lo abbandona e firma un contratto con un altro impresario, colpito anch’esso dalla sua avvenenza. A Checco non resta che tornare con i vecchi compagni e con Melina, che lo ha perdonato. La compagnia è di nuovo insieme, e sta viaggiando in treno alla ricerca di qualche buona “piazza” quando nel vagone appare una bella ragazza. Checco la nota subito e la storia ricomincia…

Cast tecnico
Regia: Alberto Lattuada, Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini
Sceneggiatura: Federico Fellini, Alberto Lattuada, Tullio Pinelli con la collaborazione di Ennio Flaiano
Fotografia: Otello Martelli
Operatore: Luciano Trasatti
Fotografo di scena: Osvaldo Civirani
Musica: Felice Lattuada
Direttore d’orchestra: Franco Ferrara
Scenografia: Aldo Buzzi
Costumi: Aldo Buzzi
Arredamento: Luigi Gervasi
Montaggio: Mario Bonotti
Aiuto regia: Angelo D’Alessandro
Direttore di produzione: Bianca Lattuada, Federico Fellini

Cast
Carla del Poggio : Liliana “Lilly” Antonelli
Peppino De Filippo : Checco Dalmonte
Giulietta Masina : Melina Amour
Folco Lulli : Adelmo Conti
Franca Valeri : la coreografa ungherese
Carlo Romano : Avv. Enzo La Rosa
John Kitzmiller : John
Silvio Bagolini : Bruno Antonini il giornalista
Dante Maggio : Remo il capocomico
Alberto Bonucci : personaggio del duo teatrale
Vittorio Caprioli : personaggio del duo teatrale
Giulio Calì : il fachiro
Mario De Angelis : maestro
Checco Durante : il proprietario del teatro
Joe Fallotta : Bill
Giacomo Furia : Duke
Renato Malavasi : albergatore
Fanny Marchiò : una soubrette
Gina Mascetti : Valeria Del Sole
Vania Orico : Gypsy Singer
Enrico Piergentili : il padre di Melina
Marco Tulli : spettatore
Alberto Lattuada : inserviente teatrale
Sofia Lazzaro [Sophia Loren] : ballerina
Giovanna Ralli : ballerina

Premi
1950-1951
Nastro d’argento per miglior attrice non protagonista (Giulietta Masina)

Curiosità
Nei primi mesi del ’50 i giornali parlano con curiosità di questa “cooperativa fra mogli e mariti”, cioè fra i due registi e le rispettive consorti attrici Carla Del Poggio e Giulietta Masina. Lattuada fa entrare anche sua sorella Bianca, esperta organizzatrice, e suo padre che compone il commento musicale.
(Tullio Kezich, Fellini, Milano, Camunia, 1987, p. 166)

Critiche
Uno di meriti del film Luci del varietà (di Lattuada e Fellini) ci sembra essere l’indifferenza che gli autori mostrano per quelle soluzioni drammatiche già provate da una lunga consuetudine, il sospetto con cui osservano queste eroine del momento che sono le miss o le aspiranti divette. C’è un breve quadro nel film giusto alla fine, in cui la protagonista, finalmente seminuda sul palcoscenico (come ha sempre sognato) manda baci al pubblico e ringrazia, con le lagrime agli occhi per gli applausi che vanno al suo corpo. E’ un’apoteosi feroce, che corona tutta una serie di osservazioni sul carattere dei comici, sul loro concetto del successo e dell’arte, e che pongono pertanto questo film (che non manca di difetti) su un piano insolito, al di sopra del genere ameno […] Più che un film satirico se ne ricava un antiromanzo, dove le precisazioni nette e crude non vengono dalla mania di fare un po’ di realismo a buon mercato, ma sono cercate apposta, per togliere tutte le speranze di una soluzione normale, a lieto fine, e sono ottenute contro i personaggi, che non commuovono mai, presi come sono da un gioco in cui la vanità supera ogni altro sentimento. (Ennio Flaiano, “Il mondo”, a III, n. 18, 5 maggio 1951, ora in Lettere d’amore al cinema, Rizzoli, Milano, 1981)

Luci del varietà trova la sua ispirazione e i suoi limiti espressivi nel mondo della rivista, raccontando, con snella intelligenza ed anche con un indovinato mordente amaramente umoristico, quello che è il vero volto delle piccole ribalte e descrivendo i quotidiani eroismi dei capocomici, delle soubrette, delle macchiette, degli imitatori e di tutta quella folla di personaggi assiepata attorno ai margini dell’avanspettacolo. (Tullio Cicciarelli, “Il Lavoro Nuovo”, 7 dicembre 1950)

Giulietta degli spiriti

Posted on 04/05/202209/19/2022 by admin_fellini

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Giulietta degli spiriti

Anno: 1965
Pellicola: colore
Durata: 120 min
Produzione: Federiz (Roma),
Francoriz (Paris)
Distribuzione: Cineriz
Visto censura: 4573323/09/1965

Nella sua bella villa di Fregene, una ricca signora borghese, Giulietta, trascorre l’estate. In occasione dell’anniversario del suo matrimonio con Giorgio, viene organizzata una festa durante la quale si svolge una seduta spiritica. Si evocano fantasmi erotici e scurrili, e le offese di uno di questi, assieme al dubbio che Giorgio la tradisca, mettono in crisi di identità Giulietta. Non ha nessuno con cui confidarsi: è sola con le sue contraddizioni, tra il perbenismo bigotto e la tentazione di vivere senza inibizioni. Una vicina di casa, Susy, l’invita nella sua villa: qui Giulietta può finalmente lasciarsi andare, visto che ha avuto le prove del tradimento del marito. Ma i sensi di colpa la fanno fuggire, e visioni contrapposte quasi sconvolgono la sua mente. Con l’aiuto di una psicoanalista riesce a reagire: affronta una vera e propria battaglia con i suoi condizionamenti, le tentazioni, i fantasmi. Alla fine, vittoriosa e in abito bianco, va incontro al vento che impetuoso soffia dal mare.

Cast tecnico

Regia: Federico Fellini
Soggetto: Federico Fellini, Tullio Pinelli, da un’idea di Federico Fellini
Sceneggiatura: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Brunello Rondi
Fotografia: Gianni Di Venanzo (Technicolor)
Operatore: Pasquale De Santis
Musica: Nino Rota
Direttore d’orchestra: Carlo Savina
Scenografia: Piero Gherardi
Costumi: Piero Gherardi
Aiuto scenografia: Luciano Riccieri, E. Benazzi Taglietti, Giantito Burchiellaro
Aiuto costumi: Bruna Parmesan, Alda Marussig
Montaggio: Ruggero Mastroianni
Arredamento: Vito Anzalone
Aiuto regia: Francesco Aluigi, Liliana Berti, Rosalba Zavoli
Suono: Mario Faraoni, Mario Morici
Segretario di edizione: Eschilo Tarquini
Trucco: Otello Fava, Eligio Trani
Acconciature: Renata Magnanti, Marisa Fraticelli
Assistente al montaggio: Adriana Olasio
Produttore: Angelo Rizzoli
Direttore di produzione: Mario Basili, Alessandro von Norman
Organizzazione generale: Clemente Fracassi
Ispettore di produzione: Walter Benelli
Segretario di produzione: Renato Fié, Ennio Onorati

Cast

Giulietta Masina : Giulietta Boldrini
Mario Pisu : Giorgio suo marito
Sandra Milo : Susy, Iris, Fanny
Valentina Cortese : Valentina
Caterina Boratto : la madre di Giulietta
Lou Gilbert : il nonno di Giulietta
Sylva Koscina : Sylva sorella di Giulietta
Luisa della Noce : Adele altra sorella di Giulietta
Josè De Vilallonga : Josè il cavaliere romantico
Valeska Gert : Nhishma la veggente
Silvana Jachino : Dolores
Fred Williams : principe arabo
Milena Vukotic : domestica di Giulietta
Genius : Genius il medium pederasta
Dany Paris : l’amica disperata di Susy
Alberto Plebani : il detective privato
Yvonne Casadei : cameriera della corte di Susy
Mario Canocchia : l’avvocato di famiglia
Cesarino Miceli Picardi : amico di Giorgio
Felice Fulchignoni : Dott. Raffaele
Lia Pistis : amica della spiaggia
Alba Cancellieri : Giulietta bambina

Premi

1965
Nastro d’argento per miglior attrice non protagonista
1965-1966
Nastro d’argento per miglior fotografia a colori
Nastro d’argento per miglior scenografia
Nastro d’argento per migliori costumi
David di Donatello per miglior attrice

Critiche

“Paradossalmente si potrebbe sostenere che Giulietta degli spiriti è un film da sfogliare più che da vedere; il modo migliore di assaporarlo sarebbe quello di ridurlo a un migliaio di inquadrature, e poi esaminarle, a una a una, come si fa con un album […] Viene il sospetto che Fellini sia stato condizionato – e frenato – dal colore, non soltanto da Giulietta”. (Morando Morandini, “L’Osservatore Politico Letterario”, Milano, 12 dicembre 1965)

“Quello che poteva anche essere un racconto scarno, per linee interne, diventa nelle mani di Fellini una fantasmagoria di forme e di colori oggettivanti i pensieri, i ricordi, i sogni e le visioni del personaggio; il quale personaggio non è ben certo che sia sempre quello della signora Giulietta e non diventi per lunghi tratti quello del regista prevaricatore. Un altro cospicuo saggio, dunque, della tumultuaria, barocca immaginazione felliniana, e insieme della sua splendida facoltà di ordinare il mondo in visione cinematografica, qui arricchita dall’uso del colore, da lui trattato si può dire per la prima volta e con effetti sorprendenti. Ma anche un film di sosta, che assommando vari motivi del regista (da Lo sceicco bianco a Otto e mezzo), non li trascende e lascia immutata, e per ciò stesso un po’ stanca, la prospettiva dell’artista”. (Leo Pestelli, “La Stampa”, 29 ottobre 1965)

“Le risorse tipiche del film sono: una macchina da presa frenetica, immagini incalzanti unite a un eccezionale dominio della luce e del colore. Questo è cinema da maestro, non solo in rapporto all’opera immediatamente precedente di Fellini, Otto e mezzo, ma si colloca vicino al Citizen Kane di Welles e al Marienbad di Resnais. Si muove liberamente e significativamente nel tempo e nello spazio, nell’immaginazione e nella memoria”. (Gordon Gow, “Films and Filming”, April 1966)